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Cerro Mijares en Luciano Benetton Collection – Imago Mundi (A Shining Constant in the Artistic Sky)

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Venezuela: una constante brillante en el cielo artístico

Ciento cuarenta obras en las que sentimientos profundos informados por el contacto con la naturaleza, los rituales y los idiomas de una cultura oprimida pero no destruida, coexisten con aspiraciones de un mundo más justo, en el que la dignidad, la independencia, la justicia y la belleza pueden dar Mayor significado para la existencia humana. Imago Mundi rinde homenaje a la Venezuela de hoy y al valeroso ingenio de sus artistas que no se dan por vencidos, sino que se abren al mundo. Hombres y mujeres talentosos y ambiciosos evocan esa “constante brillante en el cielo artístico” y confrontan las crudas contradicciones del país, para trazar una imagen visual e imaginativa de lo que hoy en día percibe la venezolana.

 

Venezuela: A Shining Constant in the Artistic Sky

One hundred and forty works where deep feelings informed by contact with nature, rituals and the languages ​​of a culture that is oppressed but not destroyed, coexist with aspirations for a fairer world, in which dignity, independence, justice and beauty can give a higher meaning to human existence. Imago Mundi pays tribute to the Venezuela of today and the courageous resourcefulness of its artists who are not giving up, and instead are opening up to the world. Talented and ambitious women and men evoke that “shining constant in the artistic sky” and confront the crude contradictions of the country, to trace a visual and imaginative picture of what perceptive Venezuelaness represents today.

Buy Book: Venezuela: A Shining Constant in the Artistic Sky

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80 Años después, el Guernica una visión sobre la guerra modernas

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Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica’es el título de la muestra que desde el 5 de abril y hasta el 4 se septiembre se podrá visitar en el Museo Reina Sofía de Madrid.  Con cerca de 180 obras procedentes de los fondos del Museo Reina Sofía y de más de 30 instituciones de todo el mundo, como el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou, de París, la Tate Modern de Londres, el MoMA y el Metropolitan Museum, de Nueva York, la exposición es un homenaje a los 80 años desde que se expuso por primera vez esta obra maestra de Pablo Ruiz Picasso, uno de los artistas españoles más internacionales cuya visión de la guerra moderna fue recogida con todo lujo de detalles en una de sus más obras más famosas y alabadas de todos los tiempos.

La exposición aborda precisamente esa visión particular de Picasso sobre la guerra. “Guerra moderna –guerra desde el aire, muerte en la distancia, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras– así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que este tipo de violencia trae consigo”, explican los responsables de la exposición.

Un tema que Picasso trató en varias ocasiones antes de pintar el Guernica. El pintor malagueño, explican en el Reina Sofía, “decía que en sus cuadros de desnudos el sillón simbolizaba la muerte yacente que aguarda a la belleza; y cuando le preguntaron por la tristeza y la ansiedad que acechaban los cuadros de Dora Maar, replicó abruptamente que la mujer no era más que “una máquina de sufrimiento”, una declaración que algunos entendieron como compasiva y otros, como arrogante. Sin duda, en el Guernica, la compasión ganó la batalla”.

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PABLO PICASSO OBSERVA SU OBRA ‘RETRATO DE MUJER’, EN SU ESTUDIO VALLAURIS, FRANCIA, EL 8 DE ABRIL DE 1953 | FOTO: AFP PHOTO

La exposición, según sus responsables, se centra en las “raíces del imaginario del Guernica que se pueden encontrar en obras previas del pintor realizadas en los años posteriores a 1925, donde ya aparecen escenas de acción frenética y extática, a menudo rodeadas de un halo de peligro, y que presentan situaciones de violencia explícita: bailes desaforados, feroces enfrentamientos entre el artista y la modelo, monstruosos forcejeos de índole sexual en la playa, o mujeres atrapadas en sillones con la boca abierta en un grito o rugido salvaje”.

La exposición busca, en definitiva, explorar las profundas ambivalencias en las que incurrió el artista en el tratamiento de la violencia y la sexualidad pero también pretende analizar el nuevo tratamiento que Picasso hizo a partir de 1924. “A este respecto, cada vez con mayor frecuencia, cuerpos rotos o desmembrados invaden salones y estudios, y el mundo exterior presiona para entrar por la ventana”, subrayan los responsables de la muestra.

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UN DETALLE DEL GUERNICA EN UNA EXPOSICIÓN EN EL CENTRO CULTURAL BANCO DO BRAZIL, EN SAO PAULO, EL 25 DE MARZO DE 2015 | FOTO: PAULO WHITAKER / REUTERS

El museo presenta al visitante un recorrido en el que se pone de relieve el hecho de que “no hubiera sido posible para el artista concebir el Guernica sin estos singulares experimentos anteriores”. Por eso, la muestra comienza con las  naturalezas muertas y los interiores de los años 1924 y 1925,  que dan paso a “cómo Picasso abordó la monstruosidad y la violencia a finales de esa década y durante la siguiente, con sus terribles retratos e interiores realizados al comienzo de la Segunda Guerra”.

Reflexiones sobre los bombardeos

Los expertos afirman que Picasso reaccionó a la destrucción del pueblo vasco de Gernika en 1937 “pintando el icono moderno que todavía hoy ondea en las calles de Alepo, Cisjordania o Bagdad, episodios recientes de otras muertes desde el aire”. El Guernica, junto a su dimensión universal, “también se interpreta como un callejón sin salida en la relación histórica entre vanguardia y realidad social y, por tanto, como una obra monumental y aislada en la amplia producción artística de Picasso”. Estas y otras reflexiones estarán presentes en el seminario ‘Piedad y Terror: Picasso en Guerra’, que el Museo Reina Sofía ha organizado también como parte de la muestra sobre el Guernica, los días 5, 18, 24 abril y 4 mayo.

El museo ha organizado, además, unas lecturas sobre guerra, exilio e iconoclastia bajo el título ‘Devenir Guernica’ que se llevarán a cabo entre el 13 de mayo y el 12 de diciembre. Especialistas procedentes de distintos campos del saber como el feminismo, la teoría política, la crítica e historia literaria, los estudios culturales y la historia del arte, examinan la obra partiendo de distintos conceptos y referencias.

La danza en un entorno de destrucción

La danza tiene su espacio en el programa de actividades que el Reina Sofía ofrece para conmemorar los 80 años del Guernica con dos espectáculos.

Deep Song, es una pieza coreográfica breve inspirada en el conflicto bélico español y concebida el mismo año en el que Picasso pintó el Guernica por la Compañía de Danza Martha Graham. Interpretada en esta ocasión por Blakeley White-McGuire, bailarina principal de la Compañía, está prevista para los días 6 y 7 de abril.

En ella se abordan los temores a un mundo dividido por la inhumanidad del individuo. La velada estará dedicada a contextualizar y comentar esta coreografía, e incluirá la proyección de material documental y un diálogo posterior con la bailarina que la interpreta.

La pieza se estrenó en el Guild Theatre de Nueva York el 19 de diciembre de 1937 con música de Henry Cowell, y supuso un grito de angustia, la encarnación de los miedos de Martha Graham ante un mundo arrasado por la barbarie del hombre hacia el hombre.

Por otro lado, el 29 de abril, la Compañía de danza Kukai Dantzaofrecerá un único espectáculo titulado ‘Gernika-Guenica’.Afincada en el País Vasco, esta compañía desarrolla su trabajo a partir de la danza tradicional vasca. Coincidiendo con el ochenta aniversario de la primera vez que se expuso Guernica y la celebración del Día Internacional de la Danza, Kukai Dantza ha creado para la ocasión una coreografía inspirada en los iconos de Gernika y Guernica porque, como ellos mismos destacan, “están arraigados en nuestra tradición, mirando a nuestro presente y futuro”.

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EL GUERNICA, ADMIRADO POR UN GRUPO DE VISITANTES DEL MUSEO DE REINA SOFÍA, EN 2007, CON MOTIVO DE SU 70º ANIVERSARIO | FOTO: SUSANA VERA / REUTERS

Por Marta Ruiz-Castillo

 

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El video de Björk dentro de su boca

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Por mucho que Björk se empeñe cada día más en convertirse en una mujer-cyborg, su garganta sigue siendo de carne y roja, como la de cualquier humilde mortal. Para uno de los vídeos de su último disco, le metieron una pequeña camarita en la boca y después los ordenadores hicieron el resto: un viaje laringológico en 360 grados mientras, gafas 3D mediante, la diva islandesa canta: “tengo tristeza bucal”.

La pieza se llama Mouth mantra y tiene que ver con la obsesión de la cantante por las gargantas –“mi punto más vulnerable”, dijo en una reciente entrevista para la revista Warp– y con una metáfora orgánica alrededor del concepto central de su octavo álbum: el dolor tras su ruptura con el artista estadounidense Matthew Barney, después 13 años y una hija en común. Publicado en 2015, Vulnicura es una ópera rock que ha ido mutando en una ópera tech. Los videos de las canciones, pensados por ella y ejecutados por cineastas y diseñadores de realidad virtual, han ganado –como otras veces en su carrera– tanto protagonismo que han terminado integrando una exposición. Tras pasar por Tokio, Sydney o Londres, Björk Digital aterriza ahora en el Foto Museo de Ciudad de México y sirve como colofón a las dos fechas que tiene en el país.

El sábado será el plato fuerte de un festival y este miércoles llenó el Auditorio Nacional con entradas que alcanzaron los 6.500 pesos (unos 350 dólares).  “Ha habido mucha expectación por su llegada a la capital. Había tocado en México hace cinco años pero en un festival en Veracruz” explica Kaeri Tedla, director creativo de Warp México, los promotores de la exposición, que tiene un precio de 660 pesos (unos 35 dólares) por un recorrido de una hora y media por las ocho salas.

La selección es pródiga en esfínteres. En Family, la pieza más interactiva de la muestra, el espectador participa en el (re)nacimiento de un especie de Björk-cíclope desde una vulva digital morada sobre la que uno puede dibujar guirnaldas amarillas con unos dispositivos que simulan ser tus manos. En Stonemilker, el primer experimento y el menos impactante, una Björk esta vez más humana repite sobre la arena de una playa en Reykiavik: “Me gustaría sincronizar nuestros sentimientos”.

En otra de las salas, 58 altavoces distribuidos por el techo y las paredes vibran con Black lake, quizá el tema más explícitamente angustioso. El espectador es invitado a pasear por el espacio para percibir los distintos sonidos según la zona de la habitación mientras en las dos paredes frontales se reproduce el vídeo con la artista golpeándose el pecho dentro de una cueva. Además del repaso a Vulnicura, la exposición también permite jugar con la app creada para Biophilia, su álbum de 2012. A través de unas tablets, las 10 canciones del disco forman una constelación tridimensional y en cada canción/estrella uno puede destripar el ritmo y la melodía y hasta componer su propia versión.

Björk, 51 años, alcanzó la cima en los 90, cuando mercado y crítica se rindieron a su naturalidad para combinar lo experimental con lo pop, lo excéntrico con lo accesible. Durante las semanas que duró el montaje de la exposición en Ciudad de México, el equipo de Warp estuvo siempre acompañado de una enviada especial de la compañía de managment de la artista. Una menuda chica islandesa que cada día se comunicaba por Facebook Live con su compatriota y jefa para comprobar que todo estaba quedando a su gusto.

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La arquitectura ilusionista de Víctor Enrich

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Intervención digital a iconos arquitectónicos

Víctor Enrich ofrece en sus trabajos variaciones ficcionales de iconos arquitectónicos de diferentes ciudades. Basado en coberturas fotográficas de arquitectura real y el tratamiento con técnicas avanzadas de diseño 3D, este artista español aborda la arquitectura desde un punto vista distinto, mucho más cerca de Escher o Dalí que de Richard Meir.

Entre el arte y la funcionalidad

Aunque formado como arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, sus estudios en el ámbito de la manipulación digital de imágenes han sido de orden autodidacta. Muy posiblemente, su fuerte vocación artística fue la responsable de alejarlo de los condicionantes del diseño más terrenales e irrenunciables como es el de la funcionalidad para centrarlo por completo en los aspectos más subjetivos de un proyecto.

La exploración geométrica de la arquitectura

Enrich aseguraba en una entrevista concedida a la revista estadounidense Wired, que durante el proceso creativo se concentra “sólo en la exploración geométrica de la arquitectura, sin ningún otro propósito que disfrutar de las formas que puedo obtener de su manipulación”. NHDK, su serie más conocida, retrata de 88 formas distintas el edificio del NH München Deutscher Kaiser Hotel en la ciudad alemana de Munich, urbe representada en otros trabajos de este artista nacido en Barcelona en 1976.

Las piezas, disponibles en su web, son económicamente accesibles al gran público. ”No espero vivir de mi arte, eso sería muy egoísta, preferiría que fuera el público el que viviera de mi arte”, reflexionaba el artista barcelonés para un medio español.

 
Tomado de: experimenta.es

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Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción

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El IVAM presenta Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción, una nueva lectura de la colección de Julio González (Barcelona, 1876 – Francia, 1942). Custodiada por el museo desde su fundación, dicha colección está considerada la más completa que existe sobre la obra del escultor español. La exposición se puede visitar del 23 de marzo de 2017 al 14 de enero de 2018.

Julio González, una nueva lectura en diálogo con 11 artistas internacionales
De las más de 200 obras que integran estos fondos, para la muestra Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción se han seleccionado más de 40, entre las que no faltan las más singulares y representativas del denominado ‘maestro del hierro’, como Mujer ante el espejo (ca. 1936-1937), Los enamorados II (ca. 1932-1933), Daphné (1937), El sueño/el beso (ca. 1934) o Máscara de adolescente (ca. 1929-1930).

Bajo el título Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción, esta nueva presentación de la colección pretende enfatizar los conceptos existenciales de su experiencia escultórica, como son la manipulación estética de los materiales y su disposición espacial, partiendo desde la sensibilidad y la perspectiva actuales, e incorpora doce propuestas tridimensionales de los propios fondos del museo que demuestran la vigencia de las aportaciones constructivas de González, esculturas de: Andreu Alfaro, Martin Chirino, Georg Herold, Jacques Lipchitz, Miquel Navarro, Jaume Plensa, Reiner Ruthenbeck, Joel Shapiro, David Smith y Tony Smith.
Julio González, una nueva lectura en diálogo con 11 artistas internacionales

El giro experimentado por la escultura en el siglo XX respondió a los nuevos valores narrativos que aparecen en las artes visuales y que incorporaban en sus propuestas los avances en la ciencia y la cultura. Estas aportaciones a los lenguajes de la obra tridimensional rompieron desde círculos cubistas, futuristas y constructivistas el contrato con la representación clásica y la verosimilitud, activando la aparición de ideas y contextos con un carácter revulsivo.

En esta nueva presentación de la sala del IVAM dedicada a la colección de Julio González, planteada desde la sensibilidad y perspectiva actuales, se busca enfatizar los conceptos básicos de la experiencia escultórica como son la manipulación estética de los materiales y su disposición espacial.
Julio González, una nueva lectura en diálogo con 11 artistas internacionales

Para lograr este objetivo se articulan diversas áreas temáticas que configuran marcos simbólicos que ofrecen una vinculación con otras esferas de la reflexión, la expresión y el pensamiento: transformación de la mirada y la percepción, racionalidad e intuición, arquitectura y espacio, procesos y conciencia de la forma y estructura del objeto y ficción.

Qué: Exposición Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción
Dónde: IVAM (Valencia) 
Cuándo: Del 23 de marzo de 2017 al 14 de enero de 2018

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Los españoles desde el Reina Sofia conmemora los 80 años del Guernica

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El Museo Centro de Arte Reina Sofía presenta Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica, una exposición concebida de forma específica para celebrar el 80 aniversario de la creación del Guernica, de Pablo Ruiz Picasso. La muestra se puede visitar del 5 de abril al 4 de septiembre en el Edificio Sabatini (planta 2ª). 

El Reina Sofía conmemora el 80 aniversario del Guernica con una selección de 180 obras

Picasso. Guernica, 1937. Óleo sobre lienzo 349,3 X 776,6 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Sucesión Pablo Picasso. VEGAP 2017.

La muestra Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica analiza la radical transformación que experimentó el trabajo del artista malagueño desde los años 20 hasta la realización del mural y reúne una ciudada selección de cerca de 180 obras procedentes tanto de los fondos del Reina Sofía y de diversas colecciones privadas, como de más de 30 instituciones de todo el mundo, como el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou, de París; la Tate Modern, de Londres; o el MoMA y el Metropolitan Museum, de Nueva York, que han realizado para la ocasión préstamos excepcionales.

El Reina Sofía conmemora el 80 aniversario del Guernica con una selección de 180 obras

Pablo Picasso. Las tres bailarinas, 1925. Óleo sobre lienzo 215,3 X 142,2 cm. Tate. © Sucesión Picasso. VEGAP, 2017.

La exposición aborda la visión que proyectó Picasso sobre la guerra moderna –guerra desde el aire, muerte en la distancia, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras– así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que este tipo de violencia trae consigo. En concreto, se centra en las raíces del imaginario de Guernica que podemos encontrar en obras previas del pintor, realizadas en los años posteriores a 1925, donde ya aparecen escenas de acción frenética y extática, a menudo rodeadas de un halo de peligro y que presentan situaciones de violencia explícita: bailes desaforados, feroces enfrentamientos entre el artista y la modelo, monstruosos forcejeos de índole sexual en la playa, o mujeres atrapadas en sillones con la boca abierta en un grito o rugido salvaje.

Picasso trató esta temática en varias ocasiones. Decía que en sus cuadros de desnudos el sillón simbolizaba la muerte yacente que aguarda a la belleza; y cuando le preguntaron por la tristeza y la ansiedad que acechaban los cuadros de Dora Maar, replicó abruptamente que la mujer no era más que «una máquina de sufrimiento», una declaración que algunos entendieron como compasiva y otros, como arrogante. Sin duda, en Guernica la compasión ganó la batalla.

El Reina Sofía conmemora el 80 aniversario del Guernica con una selección de 180 obras

Pablo Picasso. Woman Dressing Her Hair. Roman, June 1940. MOMA de NY. © Sucesión Picasso. VEGAP 2017.

Asimismo, cabe destacar que en el cuadro la violencia «no» es parte de un baile sexual en el que la agresión y la sumisión se mezclan con el deseo y el placer. Sin embargo, en el conjunto de la obra de Picasso a menudo sí se produce esa fusión. En este sentido, la exposición busca explorar las profundas ambivalenciasen las que incurrió el artista en el tratamiento de la violencia y la sexualidad.

En este homenaje al 80 aniversario del Guernica han participado los comisarios de la muestra Timothy James Clark y Anne M. Wagner, así como Manuel Borja-Villel y Rosario Peiró, directores del proyecto que ha organizado el museo para conmemorar la fecha de la creación de una de las obras más importantes en la carrera de Picasso y del arte moderno. Además de la exposición, el aniversario del Guernica incluye conferencias magistralespublicacionesactuaciones de artes en vivo, la creación del Fondo Documental Guernica y un espacio web para su consulta o la grabación, en colaboración con Radio3, de cápsulas musicales inspiradas en el Guernica.

Qué: Exposición Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica
Dónde: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Cuándo: Del 5 de abril al 4 de septiembre

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El verdadero care’ libro (Facebook) está en la sucursal Instagram

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«Más Bookface. Menos Facebook». Los responsables y colaboradores de Bookfacemagazine construyen fotografías a partir de portadas de libros. Alrededor añaden los elementos que faltan para convertir esa cubierta en una foto y luego la publican en Instagram.

Colocan cabezas en cuerpos, cuerpos en cabezas, manos en brazos, pájaros sobre ramas de árboles o recomponen todo tipo de objetos con una dedicación y paciencia admirable. En ocasiones, incluso se visten con ropas ad hoc o se desplazan a entornos semejantes a los de las cubiertas. Una labor de producción enfocada únicamente a que su aportación encaje como un guante con la imagen que les sirve de inspiración.

La propuesta no es nueva. Pero eso no impide que no tenga un efecto hipnótico. El sentido del humor, la creatividad y los trampantojos producidos al colocar las portadas sobre escenarios, personas u objetos reales hacen que visitar Bookface se convierta en una experiencia casi adictiva.

Con más de 3.700 seguidores, y muchos más visitantes ocasionales, Bookface se ha convertido en un juego colaborativo que, lejos de agotarse, se va retroalimentando a medida que se resuelven imágenes más complicadas. De hecho, en su archivo hay pocas imágenes mal ejecutadas o que no acaben de funcionar. 

Algunos de esos colaboradores mantienen una relación más que habitual con Bookface. Librerías como la francesa Mollat o bibliotecas como la de la Universidad Autónoma de Madrid acostumbran a aportar nuevas imágenes con frecuencia.

Es comprensible. Sus trabajadores están en contacto constante con libros. Tomar una foto de estas características con el móvil es una divertida forma de animar la jornada laboral. 

 hace falta ser profesional del mundo del libro para participar. Cualquiera puede hacerlo. Sólo es necesario un libro, un móvil, una cuenta de Instagram, algo de imaginación y etiquetar la imagen con el hashtag#bookface. Aún hay muchas portadas esperando a ser completadas.

 

 

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Qué ojos tan bellos tienes

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Durante años, escuchamos frases burdas como “los ojos son la ventana del alma” o “lo veo en tu mirada”. Las personas pueden adivinar los sentimientos o estados de ánimo de los demás con verlos a los ojos. Es cierto que muchas veces lo más elemental, como el enojo o la alegría, se manifiestan en el…

a través de Estudio científico demuestra que las emociones sí se manifiestan en los ojos — Cultura Colectiva

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El MoMA Fija una posición política: El arte de los países con prohibición de viajar a EEUU.

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El Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York ha tomado posición pública contra la orden ejecutiva del Presidente Trump sobre su política de inmigración, sin declaraciones ni comunicados, sin “ruido” y –sobre todo- sin los tweet que tanto le gustan a Don Donald. No hay modo más elegante y cultural: el jueves por la noche comisarios del Museo han reinstalado parte de las galerías de la colección permanente del quinto piso del MoMA ofreciendo desde ayer obras de artistas musulmanes. Una decisión para la historia.

Pinturas de Picasso, Matisse y Picabia han sido reemplazadas por obras de la arquitecta iraquí Zaha Hadid, el pintor sudanés Ibrahim el-Salahi y varios artistas de origen iraní, entre ellos Tala Madani, Parviz Tanavoli y Marcos Grigorian. El museo también ha instalado una escultura del artista iraní Siah Armajani en su patio del vestíbulo principal. Las obras, además, se acompañan de una etiqueta en la pared que desde ayer reza así: “Este trabajo esta realizado por un artista de una nación cuyos ciudadanos se les niega la entrada a los Estados Unidos, de acuerdo con una orden ejecutiva presidencial emitida el 27 de enero de 2017. Esta es una de las obras de arte de la colección del Museo instaladas en las galerías del quinto piso para afirmar los ideales de bienvenida y libertad tan vitales para este Museo como para los Estados Unidos“.

“El profeta” por Parviz Tanavoli, centro, en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Crédito

Que esto lo haga el MoMA, sinceramente, ha dejado sin palabras a medio mundo. Por valentía, por inmediatez en la respuesta a la política, y por el hecho mismo de que dota a la cultura del arma más poderosa contra la intransigencia, la intolerancia y el racismo con el que apesta Trump y sus secuaces. En quince días, (Tiriti)Trump ha conseguido lo que pocas figuras en la historia: que (casi) todos le detesten, y no ha hecho más que empezar su mandato.

Un grupo de comisarios de arte –Ann Temkin, Jodi Hauptman y Christophe Cherix– planearon la idea de la nueva instalación en el Museo durante el pasado fin de semana, cuando más de cien personas fueron detenidas en aeropuertos norteamericanos y cientos de miles se reunieron para protestar por la prohibición de entrada en suelo USA de determinadas nacionalidades. Añadir los nuevos artistas citados tiene como objetivo ilustrar la historia de la influencia transcultural en el arte moderno y contemporáneo y “las galerías del quinto piso son donde están algunas de nuestras obras más queridas“, ha declarado Hauptman a New York Times. “Pensamos que sería especialmente importante llamar la atención sobre esas conexiones.”

“K + L + H + 32 + 4. Mon père et moi (Mi Padre y Yo) “derecho, por Charles Hossein Zenderoudi, en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Crédito Sam Hodgson para The New York Times

Se ha instalado una obra en papel del artista iraní Charles Hossein Zenderoudi, por ejemplo, en una galería de obras de Henri Matisse. Ambos artistas se inspiraron en la caligrafía y la arquitectura islámica. “Matisse estaba tan interesado en el arte del Islam, viendo que el trabajo como joven artista era completamente transformador para él“, dice Hauptman. Mientras tanto, “La Mezquita” (1964) de El Salahi -una de las figuras más importantes del Modernismo africano- se ha colgado junto a obras de Picasso y Braque, que miraron al arte africano como pionero del cubismo a principios del siglo XX. Estas obras se entienden como un “gesto de inclusión“, y dice Hauptman: “Cuando se prohíbe el viaje y la comunicación, ¿qué se pierde?. Esa es una de las cosas conmovedoras de ver el trabajo en las galerías. Si no hubiera oportunidad de viajar o la comunicación entre cultura y razas, no tendríamos estas cosas.

Los comisarios planean integrar más obras de artistas de los países afectados en las próximas dos semanas, cuando varias galerías del quinto piso sean de nuevo abiertas después de la remodelación. Entre las obras bajo consideración hay fotografías de la artista alemana nacida en Irán Shirana Shahbazi y obras en papel del artista iraní Faramarz Pilaram. 

Los principales museos de Estados Unidos se han volcado a opinar durante la semana pasada, sobre su oposición a la orden ejecutiva del Sr. Trump, que todavía se estaba aplicando en algunos aeropuertos. James Cuno, que lidera el Getty Museo de Los Ángeles, llamaba la orden “desacertada, innecesaria y destructiva.” Thomas P. Campbell, el director del Museo Metropolitano de Arte, sugirió que la superproducción “Asiria a Iberia” nunca hubiera sucedido bajo las reglas del Sr. Trump. Los artistas han participado en protestas, especialmente en Los Ángeles , el hogar de la comunidad persa más grande de Estados Unidos. La orden también tendrá un efecto negativo sobre periodismo cultural; Roxana Azimi , el corresponsal de arte del Le Monde, ya no podrá de entrar a los Estados Unidos, ya que nació en Irán.

Sin embargo, la velocidad y la inmediatez con que el MoMA – una institución que no suele ser considerada como ágil – ha respondido a la prohibición de Trump con una rapidez especialmente impresionantes. Su fuerza particular, proviene de la decisión de los comisarios de presentar estas obras en el quinto piso, en las galerías más impregnadas de la narrativa del modernismo y con un flujo de vicitante bastante alto a este espacio en el MoMA. El arte iraní, iraquí y Sudán no se limita a interrumpir la vieja línea de tiempo de la historia del arte; solo lo perturba por propio carácter institucional del MoMA. Dice: Incluso la habitación en la que se cuelga “Las señoritas de Avignon” de Picasso no es irreprochable, sino más bien una historia particular, dicho por las personas, que a veces tienen que hablar.

La institución, por supuesto, nunca se ha divorciado del poder y la política. (Aun continua con el patrocinio de Volkswagen al MoMA – el cual admitió la instalación de software ilegal en 11 millones de automóviles en todo el mundo, lo que resulta en más de $ 4,3 mil millones en multas -. Irrita especialmente), pero en los próximos años, todas las instituciones, desde el más experimental a los más establecidos, tendrá que decidir si mantener la cabeza hacia abajo o si se debe responder. Esta nueva voz de bienvenida, menos olímpica y más plural, no es como el MoMA ha hablado en el pasado – pero, de nuevo, esto no es cómo los presidentes han hablado en el pasado, tampoco.

 

 

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‘Abstract’, una serie para los amantes del diseño

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La última genialidad de Netflix llega de la mano de Abstract: The Art of Design, una serie documental en la que la historia se centra en torno a una de las artes menos apreciada: el diseño. En ella, conoceremos a 8 diseñadores visionarios que han modelado el mundo que nos rodea.

Abstract, la serie más llena de arte en Netflix

Durante sus ocho episodios, veremos el trabajo de diseñadores de diferente campos,desde la arquitectura a la ilustración, los coches o la tipografía. A través de sus proyectos, intentan hacer del mundo un lugar más hermoso y unificado. Esta es la lista de artistas que veremos en Abstract:

  • Paula Scher (diseñadora gráfica)
  • Christoph Niemann (ilustrador)
  • Platon (fotógrafo)
  • Tinker Hatfield (diseñador de calzado de Nike)
  • Ralph Gilles (diseñador de automóviles)
  • Bjarke Ingels (arquitecto)
  • Ilse Crawford (interiorista)
  • Es Devlin (diseñadora de escenarios)

Cada uno de los episodios se presenta como una película, adaptando los diferentes estilos de los diseñadores: procesos creativos, trabajos o descubrir cómo sus diseños innovadores han afectado profundamente nuestras vidas diarias.

Se espera ver 8 episodios de mucha calidad, ya que además de contar con increíbles planos con drones y lentes anamórficas, se ha grabado con algunas de las mejores cámaras actuales. La primera temporada de Abstract: The Art of Design llegará a Netflix el próximo 10 de febrero.

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