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Ruben Östlund: “Los museos protegen obras absolutamente estúpidas”

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En enero de 2005, el sueco Ruben Östlund (Styrsö, 1974) protagonizó uno de los momentos más ególatramente divertidos del cine reciente. En un acto de soberbia, decidió grabarse junto a su productor en su habitación del hotel Trump en Nueva York durante la lectura de las candidaturas a los Oscar. Su Fuerza mayor estaba en la preselección de nueve filmes, parecía fácil entrar en el quinteto finalista. Durante los primeros cinco minutos del vídeo (un éxito de YouTube), ambos comen una manzana, responden a un timbrazo en la puerta. Llega su momento y empiezan a escuchar el listado. El primer nombre que se oye es el de la polaca Ida (que semanas más tarde obtuvo la estatuilla). Ambos no se dan cuenta de que ya están eliminados (la lectura se hace en orden alfabético y el nombre de su drama era Force Majeure). SIguen atentos. “Queda una”, dice el productor. Pues no, nadie dice “Force Majeure”. Se abrazan: “Estamos muertos”, dicen con risas circunspectas. Desaparecen de pantalla y empieza el estallido. Östlund sufre un ataque, el productor le aconseja: “Respira, respira”. El director enloquece, grita. Huye. “Me bajé a Central Park, no me lo podía creer. Me habían calentado demasiado la cabeza, me veía con la estatuilla”, recuerda dos años después entre risas. “Luego subí y pensé: ‘Qué más da, que cuelgue el vídeo”. ¿Lo volverá a hacer? “¿Lo de grabarme? Pues mira, sí. A los americanos les encantan esas historias de cenicientas, y yo aporto ese giro dramático para la próxima vez”. 

 

 

La pregunta es pertinente porque The Square, su siguiente trabajo, ganó la última Palma de Oro de Cannes y es la gran favorita al Oscar a mejor película de habla extranjera. Y porque entre otros temas, habla del ego en el arte moderno, en un fácil paralelismo con el cine. Su protagonista, padre divorciado con dos hijos (como Östlund) es el comisario jefe de un museo de arte moderno en Estocolmo que poco a poco cae en desgracia por su papanatismo, y a través de él Östlund arremete contra la corrección política, la impostura del arte actual que se parapeta en una retórica críptica ante ataques externos, contra el miedo al otro, juega a incomodar al espectador. “Vivimos momentos absurdos, como este de la promoción de películas, ¿verdad?”, cuenta relajado en San Sebastián, certamen en el que The Square participó en la sección Perlas. “Me gusta estar aquí porque así podemos hablar de Luis Buñuel, porque su visión del surrealismo en la vida diaria ha supuesto una enorme influencia en esta película. En realidad, el título perfecto para The Square era El discreto encanto de la burguesía, pero Buñuel ya lo cogió. Y Viridiana, todo lo relacionado con los pobres, y como le resuelve. ¡Qué genio! Amo la falta de sentimentalismo del cine de Buñuel. Eso mismo lo heredó mi maestro Roy Andersson [ganador en 2014 de León de Oro de Venecia con Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia], y a mí me ha influido más las charlas de Roy sobre Buñuel que las mismas películas de Buñuel”. 

 

 

Östlund saca la metralleta cinematográfica contra el arte moderno y los museos: “Es que esas instituciones no tienen ninguna conexión con lo que ocurre fuera de ellas. Se comportan de manera protectora y elitista con obras absolutamente estúpidas. Y lo mismo pasa con el cine. Si no entiendes una película obtusa en un festival, es que eres tonto. Ya ni discutimos qué es arte”. Al inicio de The Square una periodista entrevista al protagonista y le pregunta sobre qué es y no es una exposición. “Y el texto, delirante, lo saqué de un ensayo real de un profesor de bellas artes. Es como el cuento del traje nuevo del emperador. Me resulta fascinante el entramado económico que sustenta la imbecilidad del arte moderno”. 

Para añadir más leña, The Square es el nombre de una instalación artística creada por Östlund y Kalle Boman en mayo de 2015, un cuadrado en el suelo convertido en santuario de confianza y humanidad: dentro no puede pasar nada malo. “Confiar en la sociedad es un valor fundamental en Suecia para sustentar nuestra forma de vida. Hoy en toda Europa estamos exagerando miedos al extranjero, al otro, que no son reales y nos conducen a la paranoia. Muchos medios de comunicación y partidos políticos buscan el sensacionalismo o crean un conflicto para llamar la atención”.

En la siguiente película, Östlund abandonará el juego de un protagonista cercano a él (“Me gusta que sea yo y a la vez no sea yo, porque así reflexiono sobre lo que haríamos cualquiera ante lo que le pasa”), pero no se alejará de su estilo cortante. “Volveré a combinar actores suecos y estadounidenses, aunque filmaré por todo el mundo. Ya tengo el guion de mi siguiente proyecto. Mi esposa es fotógrafa de moda, trabaja en ese mundo de modelos y belleza, con botox por todos lados. Y voy a ahondar en ese universo con otra jerarquía social regida por argumentos banales que comportan un valor económico. Porque la belleza es una lotería, no depende de uno. Y además, ¿quién decide si eres guapo o guapa?”. 

 

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El arte y las culturas hablan de apropiación

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Se ha argumentado que la cultura misma nace de la apropiación. Sin embargo, ha habido algunos debates dolorosos y complejos recientemente sobre lo que es justo o injusto en lo que respecta a literatura, moda y arte.

“Lo que subyace a la idea de la apropiación es la percepción de que algo —o alguien— está ahí simplemente para ser tomado: un estilo de vestir, un relato personal, un continente entero”, escribió Anna Holmes en The New York Times. “No siempre se puede demostrar la apropiación. Pero uno generalmente

Envíe sus comentarios a: nytweekly@nytimes.comla reconoce cuando la ve”. 

Mucha gente pensó haberla visto en un artículo editorial de Hal Niedzviecki, quien perdió su empleo como director editorial de la revista Write debido a ello. En el editorial, decía: “Cualquier persona, en cualquier lugar, debería ser alentado a imaginar otros pueblos, otras culturas, otras identidades. Incluso me atrevería a decir que debería haber un premio por hacerlo, el Premio a la Apropiación al mejor libro escrito por un autor que escribe sobre gente que no se parece ni remotamente a él o ella”.

Si existiera ese premio, también podría ser necesario que hubiera una categoría para la moda, para que Chanel pudiera ingresar su búmeran de 1.325 dólares que presenta su logo de las dos “C”. Esto encendió la internet, reportó The Times, motivando a un observador a comentar en Twitter: “La apropiación cultural hoy sin duda se está volviendo costosa”.

La marca de moda francesa emitió una disculpa diciendo: “No era nuestra intención faltar al respeto a la comunidad aborigen y de isleños del Estrecho de Torres y al significado del búmeran como objeto cultural”.

Chanel no dejó de vender el búmeran, pero al menos nadie confundiría su lustrosa versión en madera y resina negra del arma antigua con arte, donde las líneas están más desdibujadas y son más difíciles de debatir.

¿Debería una mujer blanca pintar una imagen de un niño negro? ¿Puede un fotógrafo contar la verdad a través de su lente si está fotografiando una cultura que no es la suya? Teju Cole escribió en The Times que hay cierta responsabilidad que se asume al apropiarse de dichas cosas, al llamarla invasiva y a menudo violenta. Dijo que el argumento de que los artistas tienen la responsabilidad de contar las historias de otros es “seductora, pero errónea” y añadió: “La responsabilidad hacia las historias de otra gente es real e ineludible, pero eso no significa que la apropiación sea la forma de satisfacer esa responsabilidad. De hecho, se aplica lo opuesto: contar las historias en las que somos intrusos cómplices debe hacerse con imaginación y escepticismo”.

Pero un extraño podría tener una ventaja intrínseca, escribió la autora Rivka Galchen en The Times. “Una razón por la que el arte suele surgir de mirar al exterior y no sólo al interior es que siempre estamos hablando con autoridad precaria”, escribió, “incluso cuando narramos nuestras propias experiencias, quizás particularmente cuando solo hablamos de nosotros mismos”.

Citó al autor francés Gustave Flaubert y al autor ruso León Tolstoi como ejemplos de gente que ejerció tan bien la apropiación que no parece importarle a nadie.

“Estar completamente en contra de tomar algo de otra cultura”, escribió Galchen, “sería condenar todo a la memoria; y de todos los géneros de la literatura, creo que las memorias merecen la reputación de ser las menos ciertas”.

ROBB TODD 

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Una gran Oportunidad para la artista Amy Sherald: el Retrato de Michelle Obama

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BALTIMORE – “Yo sólo voy a fingir que no es una gran cosa”, dijo la artista Amy Sherald, hablando en su estudio en el barrio conocido como Estación del Norte. “Pinto pinturas de personas. Y yo estoy pintando un cuadro de otra persona más “.

Pero es un gran problema, ya que la persona que la Sra. Sherald va a pintar es Michelle Obama. A principios de este mes, El Nacional Smithsonian Galería anunció que había designado Sra Sherald,  de 44 años, para el retrato oficial de la ex primera dama, y golpeó Kehinde Wiley, de 40 años, a la semejanza del ex presidente Barack Obama – la primera vez que una artista negra han sido seleccionada para pintar una pareja presidencial para la galería.

El Sr. Wiley ya tiene renombre internacional – una pintura de ella fue vendida por $ 143.000 en una subasta y su obra se encuentra en importantes instituciones como el Museo Metropolitano de Arte. 

“Un claro mágica tácito sentado”, de 2017,
por Amy Sherald. Crédito Cortesía de la artista y Monique Meloche Galería

Después de un inicio tardío, la Sra Sherald está empezando a despegar. Nueva del Smithsonian National Museum of African American Historia y Cultura ha adquirido una de sus piezas, al igual que el Nasher Museum of Art en la Universidad de Duke en Durham, Carolina del Norte Su trabajo se ofrece actualmente en el Museo Estudio en de Harlem influyentes “Ficciones ” exposición de las economías emergentes artistas. Y en mayo, se abrirá su primera exposición importante individual, en el Museo de Arte Contemporáneo St Louis . 

La comisión de esta obra de Obama es probable que la catapultar a otra liga. “Va a ser un centro de atención en ella”, dijo Paul Staiti, profesor de la Universidad Mount Holyoke que es un experto en retratos. “Ella debe abrocharse el cinturón de seguridad.”

Una mujer alta, atlética en vasos con marco blanco que vive con su terrier Jack Russell-pequinés, llamado August Wilson, la Sra Sherald dijo que no se le permite hablar acerca del encargo hasta que se de a conocer en la National Portrait Gallery principios del próximo año. Tampoco quiso comentar sobre la señora Obama.

Kim Sajet, el director de la Galería de Retrato, sólo se divulgó que la señora Obama y la Sra Sherald ya se han reunido sobre el retrato, que las pinturas suelen incluir múltiples sesiones y que los sujetos de este año eligidos a los artistas de unos 20 carteras presentadas por los comisarios. La primera dama tiene que aprobar personalmente la obra terminada, al igual que la junta asesora de la galería de retrato. 

“Lo que es valioso dentro de él no le importa ser conocido por la mente de manera que disminuyen su presencia (All American),” 2017, por Amy Sherald. Crédito superior y superior, cortesía del artista y Monique Meloche Galería

El Smithsonian planea pagar por ambos trabajos con $ 500.000 en donaciones privadas de los cuales se ha planteado hasta ahora $ 300.000. Esta cantidad cubre todo, incluyendo los honorarios de cada artista, que la Sra Sajet no especificó. Las pinturas de la Sra Sherald normalmente se venden a $ 15.000 a $ 25.000.

No hay un formato prescrito para un retrato oficial, dijo la Sra Sajet, excepto que se trate de una pintura – no es una obra sobre papel – y que los artistas “sea respetuoso de la persona y la posición que ocupan.”

Retratos oficiales han ido desde “altamente formal para mucho más relajado”, añadió la Sra Sajet, citando como ejemplos de Ron Sherr retrato 1994 de George HW Bush de pie en un traje y corbata a semejanza de George W. Bush de 2008, la Casa Blanca y Roberto de Anderson con una camisa de cuello abierto en un sofá en Camp David.  

La elección de la Sra Sherald, que por lo general representa los afroamericanos que hacen cosas de todos los días – dos mujeres en trajes de baño, un hombre con un niño – tiene un significado histórico. “Es como si estuviera diciendo: ‘Que quede claro: el Presidente y yo somos los afroamericanos y con orgullo que sí”, dijo Staiti, “y estos retratos van a tener un ambiente afroamericano – que van a salir de esa tradición más bien seria. Creo que es importante y creo que es política “, agregó, en referencia a la elección de la señora Obama. 

“Todas las cosas brillantes y hermosas”, de 2016, por Amy Sherald. Crédito Cortesía de la artista y Monique Meloche Galería

Mientras que la Sra Sherald no podía hablar de sus interacciones con la señora Obama, la forma en que funciona generalmente ofrece ideas en su probable proceso con la ex primera dama. Invita a sus sujetos para su estudio aquí, donde los fotografía en un conjunto que ha seleccionado para ellos. 

O bien, dijo, ella puede ir a sus casas a “a mirar sus armarios” y fotografiarlos allí.

La Sra Sherald siempre dispara sus temas al aire libre con luz natural. “Me gusta la forma en que se destacan las texturas de la piel”, dijo.

La comisión representa algo así como un punto de partida para la Sra Sherald; se suele escoger los sujetos que detienen su atención en la calle, en un aeropuerto. Ella se acerca, literalmente en forma extraña.

“Me pregunto cómo se sentiría acerca de esta llevando a comisiones de otras personas importantes”, dijo Staiti. “Ella está interesada en todo lo contrario; ella está interesada en lo ordinario “. 

La Sra Sherald dijo cuánto significa la selección a ella, cómo la señora Obama tenía gran influencia en su vida, a pesar de que no se habían reunido previamente. “Hemos estado en un nombre de pila durante ocho años”, dijo en tono de broma. “Verla hizo que mi mundo mejorara.”

“Ella es un arquetipo que muchas mujeres que pueden relacionarse con – sin importar la forma, tamaño, color o raza”, añadió la Sra Sherald. “Vemos lo mejor de nosotras mismas en ella.”

La Sra Sherald aún no ha comenzado el retrato de Obama, a pesar de que está previsto que se termine a finales de año. “No voy a casa para las fiestas,” dijo con una risa.

Sin embargo, sentado en medio de sus tubos de pintura – sus colores manchados en platos de papel – con tres lienzos en progreso apoyado en las paredes, la Sra Sherald parecía muy tranquila en la cara de un plazo de enormes proporciones, tal vez porque se ha enfrentado a desafíos mucho más duros.

Una vista del estudio de la Sra Sherald en Baltimore. Acreditar Justin T. Gellerson de The New York Times

La Sra Sherald es una sobreviviente de la insuficiencia cardíaca congestiva, diagnosticada a los 30 justo cuando estaba ganando su maestría en el Maryland Institute College of Art a esa edad y estaba entrenando para un triatlón. Ella recibió un trasplante a los 39 años.

Ella interrumpió su carrera de nuevo, para tomar un descanso de cuatro años para el cuidado de sus dos familiares enfermos de vuelta en su ciudad natal de Columbus, ella perdió a su padre, un dentista, al Parkinson en 2000.; su hermano por cáncer de pulmón en 2012.

Pero ella no piensa en sí misma como algo de mala suerte. De hecho, dijo que es muy consciente de los menos afortunados alrededor de ella – como niños en su propia comunidad que son el envejecimiento de cuidado de crianza. (A una cuadra de su estudio, dijo que “se puede ver a 10 adictos en un momento dado.”) Sra Sherald, que ha enseñado el arte en el centro de detención de la ciudad de Baltimore, espera darse vuelta financieramente en cuanto el pagar aun el préstamo de su escuela y poder permitirse más fácilmente su extensa medicación: 13 píldoras diferentes al día.

“Cuando miro a esas personas”, dijo, “Me veo.”

La Sra Sherald no está muy lejos de los días en que atendía las mesas y trabajó en un estudio sin calefacción o aire acondicionado. 


La Sra Sherald pinta sólo los afroamericanos. “Existan en un lugar del pasado, el presente y el futuro”, sus temas, dijo. “Es como si algo me siento en mi espíritu más de mi mente.” Crédito Justin T. Gellerson de The New York Times

Sus padres querían que ella fuese a la escuela de medicina, pero la Sra Sherald sabía que era un artista. “No me siento como he elegido para hacerlo”, dijo. “No sé qué más me da bien.”

Ella comenzó con autorretratos calvas – Se afeitó la cabeza durante un tiempo – y luego se trasladó a un trabajo más fantástico que exploró la idea de circo, y la fantasía.

Las influencias culturales de la Sra Sherald van desde el escritor de ciencia ficción Octavia Butler al pintor surrealista Salvador Dalí y de la película peculiar de Tim Burton, “Big Fish.” Los nombres que surgen en la conversación incluye el poeta David Whyte, el locutor de radio pública Krista Tippett – y Ralph Waldo Emerson.

Con los años, la pintura figurativa de la Sra Sherald se ha convertido en un realismo estilizado – una gama de colores de piel gris salpicado de coloridas piezas de ropa en una superficie plana. Ella hace solamente cerca de 13 pinturas al año. “Es difícil para mí encontrar a la gente para pintar”, dijo. “Tiene que ser algo en ellos que sólo yo puedo ver.” 

Con los años, la pintura figurativa de la Sra Sherald se ha convertido en un realismo estilizado – una gama de colores de piel gris salpicado de elementos de colores de la ropa; un plano liso. Acreditar Justin T. Gellerson de The New York Times

“Existen en un lugar del pasado, el presente y el futuro”, añadió. “Es como si algo me sienta en mi espíritu más de mi mente.”,

La Sra Sherald sólo pinta los afroamericanos. Habiendo estudiado historia del arte europeo, que es muy consciente de la escasez de caras negras. “No hay suficientes imágenes de nosotros”, dijo.

El año pasado tuvo su primera exposición individual en Monique Meloche galería de Chicago y se convirtió en la primera mujer en ganar la competencia Outwin Boochever de la galería del retrato. Ahora bien, hay listas de espera para su trabajo.

“Todo el mundo responde a sus pinturas”, dijo Meloche. “No es algo que es tan viva en estos personajes; que son muy tranquilo – pero siguen siendo muy polémica “. 

 

 
 

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Cerro Mijares en Luciano Benetton Collection – Imago Mundi (A Shining Constant in the Artistic Sky)

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Venezuela: una constante brillante en el cielo artístico

Ciento cuarenta obras en las que sentimientos profundos informados por el contacto con la naturaleza, los rituales y los idiomas de una cultura oprimida pero no destruida, coexisten con aspiraciones de un mundo más justo, en el que la dignidad, la independencia, la justicia y la belleza pueden dar Mayor significado para la existencia humana. Imago Mundi rinde homenaje a la Venezuela de hoy y al valeroso ingenio de sus artistas que no se dan por vencidos, sino que se abren al mundo. Hombres y mujeres talentosos y ambiciosos evocan esa “constante brillante en el cielo artístico” y confrontan las crudas contradicciones del país, para trazar una imagen visual e imaginativa de lo que hoy en día percibe la venezolana.

 

Venezuela: A Shining Constant in the Artistic Sky

One hundred and forty works where deep feelings informed by contact with nature, rituals and the languages ​​of a culture that is oppressed but not destroyed, coexist with aspirations for a fairer world, in which dignity, independence, justice and beauty can give a higher meaning to human existence. Imago Mundi pays tribute to the Venezuela of today and the courageous resourcefulness of its artists who are not giving up, and instead are opening up to the world. Talented and ambitious women and men evoke that “shining constant in the artistic sky” and confront the crude contradictions of the country, to trace a visual and imaginative picture of what perceptive Venezuelaness represents today.

Buy Book: Venezuela: A Shining Constant in the Artistic Sky

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80 Años después, el Guernica una visión sobre la guerra modernas

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Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica’es el título de la muestra que desde el 5 de abril y hasta el 4 se septiembre se podrá visitar en el Museo Reina Sofía de Madrid.  Con cerca de 180 obras procedentes de los fondos del Museo Reina Sofía y de más de 30 instituciones de todo el mundo, como el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou, de París, la Tate Modern de Londres, el MoMA y el Metropolitan Museum, de Nueva York, la exposición es un homenaje a los 80 años desde que se expuso por primera vez esta obra maestra de Pablo Ruiz Picasso, uno de los artistas españoles más internacionales cuya visión de la guerra moderna fue recogida con todo lujo de detalles en una de sus más obras más famosas y alabadas de todos los tiempos.

La exposición aborda precisamente esa visión particular de Picasso sobre la guerra. “Guerra moderna –guerra desde el aire, muerte en la distancia, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras– así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que este tipo de violencia trae consigo”, explican los responsables de la exposición.

Un tema que Picasso trató en varias ocasiones antes de pintar el Guernica. El pintor malagueño, explican en el Reina Sofía, “decía que en sus cuadros de desnudos el sillón simbolizaba la muerte yacente que aguarda a la belleza; y cuando le preguntaron por la tristeza y la ansiedad que acechaban los cuadros de Dora Maar, replicó abruptamente que la mujer no era más que “una máquina de sufrimiento”, una declaración que algunos entendieron como compasiva y otros, como arrogante. Sin duda, en el Guernica, la compasión ganó la batalla”.

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PABLO PICASSO OBSERVA SU OBRA ‘RETRATO DE MUJER’, EN SU ESTUDIO VALLAURIS, FRANCIA, EL 8 DE ABRIL DE 1953 | FOTO: AFP PHOTO

La exposición, según sus responsables, se centra en las “raíces del imaginario del Guernica que se pueden encontrar en obras previas del pintor realizadas en los años posteriores a 1925, donde ya aparecen escenas de acción frenética y extática, a menudo rodeadas de un halo de peligro, y que presentan situaciones de violencia explícita: bailes desaforados, feroces enfrentamientos entre el artista y la modelo, monstruosos forcejeos de índole sexual en la playa, o mujeres atrapadas en sillones con la boca abierta en un grito o rugido salvaje”.

La exposición busca, en definitiva, explorar las profundas ambivalencias en las que incurrió el artista en el tratamiento de la violencia y la sexualidad pero también pretende analizar el nuevo tratamiento que Picasso hizo a partir de 1924. “A este respecto, cada vez con mayor frecuencia, cuerpos rotos o desmembrados invaden salones y estudios, y el mundo exterior presiona para entrar por la ventana”, subrayan los responsables de la muestra.

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UN DETALLE DEL GUERNICA EN UNA EXPOSICIÓN EN EL CENTRO CULTURAL BANCO DO BRAZIL, EN SAO PAULO, EL 25 DE MARZO DE 2015 | FOTO: PAULO WHITAKER / REUTERS

El museo presenta al visitante un recorrido en el que se pone de relieve el hecho de que “no hubiera sido posible para el artista concebir el Guernica sin estos singulares experimentos anteriores”. Por eso, la muestra comienza con las  naturalezas muertas y los interiores de los años 1924 y 1925,  que dan paso a “cómo Picasso abordó la monstruosidad y la violencia a finales de esa década y durante la siguiente, con sus terribles retratos e interiores realizados al comienzo de la Segunda Guerra”.

Reflexiones sobre los bombardeos

Los expertos afirman que Picasso reaccionó a la destrucción del pueblo vasco de Gernika en 1937 “pintando el icono moderno que todavía hoy ondea en las calles de Alepo, Cisjordania o Bagdad, episodios recientes de otras muertes desde el aire”. El Guernica, junto a su dimensión universal, “también se interpreta como un callejón sin salida en la relación histórica entre vanguardia y realidad social y, por tanto, como una obra monumental y aislada en la amplia producción artística de Picasso”. Estas y otras reflexiones estarán presentes en el seminario ‘Piedad y Terror: Picasso en Guerra’, que el Museo Reina Sofía ha organizado también como parte de la muestra sobre el Guernica, los días 5, 18, 24 abril y 4 mayo.

El museo ha organizado, además, unas lecturas sobre guerra, exilio e iconoclastia bajo el título ‘Devenir Guernica’ que se llevarán a cabo entre el 13 de mayo y el 12 de diciembre. Especialistas procedentes de distintos campos del saber como el feminismo, la teoría política, la crítica e historia literaria, los estudios culturales y la historia del arte, examinan la obra partiendo de distintos conceptos y referencias.

La danza en un entorno de destrucción

La danza tiene su espacio en el programa de actividades que el Reina Sofía ofrece para conmemorar los 80 años del Guernica con dos espectáculos.

Deep Song, es una pieza coreográfica breve inspirada en el conflicto bélico español y concebida el mismo año en el que Picasso pintó el Guernica por la Compañía de Danza Martha Graham. Interpretada en esta ocasión por Blakeley White-McGuire, bailarina principal de la Compañía, está prevista para los días 6 y 7 de abril.

En ella se abordan los temores a un mundo dividido por la inhumanidad del individuo. La velada estará dedicada a contextualizar y comentar esta coreografía, e incluirá la proyección de material documental y un diálogo posterior con la bailarina que la interpreta.

La pieza se estrenó en el Guild Theatre de Nueva York el 19 de diciembre de 1937 con música de Henry Cowell, y supuso un grito de angustia, la encarnación de los miedos de Martha Graham ante un mundo arrasado por la barbarie del hombre hacia el hombre.

Por otro lado, el 29 de abril, la Compañía de danza Kukai Dantzaofrecerá un único espectáculo titulado ‘Gernika-Guenica’.Afincada en el País Vasco, esta compañía desarrolla su trabajo a partir de la danza tradicional vasca. Coincidiendo con el ochenta aniversario de la primera vez que se expuso Guernica y la celebración del Día Internacional de la Danza, Kukai Dantza ha creado para la ocasión una coreografía inspirada en los iconos de Gernika y Guernica porque, como ellos mismos destacan, “están arraigados en nuestra tradición, mirando a nuestro presente y futuro”.

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EL GUERNICA, ADMIRADO POR UN GRUPO DE VISITANTES DEL MUSEO DE REINA SOFÍA, EN 2007, CON MOTIVO DE SU 70º ANIVERSARIO | FOTO: SUSANA VERA / REUTERS

Por Marta Ruiz-Castillo

 

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El video de Björk dentro de su boca

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Por mucho que Björk se empeñe cada día más en convertirse en una mujer-cyborg, su garganta sigue siendo de carne y roja, como la de cualquier humilde mortal. Para uno de los vídeos de su último disco, le metieron una pequeña camarita en la boca y después los ordenadores hicieron el resto: un viaje laringológico en 360 grados mientras, gafas 3D mediante, la diva islandesa canta: “tengo tristeza bucal”.

La pieza se llama Mouth mantra y tiene que ver con la obsesión de la cantante por las gargantas –“mi punto más vulnerable”, dijo en una reciente entrevista para la revista Warp– y con una metáfora orgánica alrededor del concepto central de su octavo álbum: el dolor tras su ruptura con el artista estadounidense Matthew Barney, después 13 años y una hija en común. Publicado en 2015, Vulnicura es una ópera rock que ha ido mutando en una ópera tech. Los videos de las canciones, pensados por ella y ejecutados por cineastas y diseñadores de realidad virtual, han ganado –como otras veces en su carrera– tanto protagonismo que han terminado integrando una exposición. Tras pasar por Tokio, Sydney o Londres, Björk Digital aterriza ahora en el Foto Museo de Ciudad de México y sirve como colofón a las dos fechas que tiene en el país.

El sábado será el plato fuerte de un festival y este miércoles llenó el Auditorio Nacional con entradas que alcanzaron los 6.500 pesos (unos 350 dólares).  “Ha habido mucha expectación por su llegada a la capital. Había tocado en México hace cinco años pero en un festival en Veracruz” explica Kaeri Tedla, director creativo de Warp México, los promotores de la exposición, que tiene un precio de 660 pesos (unos 35 dólares) por un recorrido de una hora y media por las ocho salas.

La selección es pródiga en esfínteres. En Family, la pieza más interactiva de la muestra, el espectador participa en el (re)nacimiento de un especie de Björk-cíclope desde una vulva digital morada sobre la que uno puede dibujar guirnaldas amarillas con unos dispositivos que simulan ser tus manos. En Stonemilker, el primer experimento y el menos impactante, una Björk esta vez más humana repite sobre la arena de una playa en Reykiavik: “Me gustaría sincronizar nuestros sentimientos”.

En otra de las salas, 58 altavoces distribuidos por el techo y las paredes vibran con Black lake, quizá el tema más explícitamente angustioso. El espectador es invitado a pasear por el espacio para percibir los distintos sonidos según la zona de la habitación mientras en las dos paredes frontales se reproduce el vídeo con la artista golpeándose el pecho dentro de una cueva. Además del repaso a Vulnicura, la exposición también permite jugar con la app creada para Biophilia, su álbum de 2012. A través de unas tablets, las 10 canciones del disco forman una constelación tridimensional y en cada canción/estrella uno puede destripar el ritmo y la melodía y hasta componer su propia versión.

Björk, 51 años, alcanzó la cima en los 90, cuando mercado y crítica se rindieron a su naturalidad para combinar lo experimental con lo pop, lo excéntrico con lo accesible. Durante las semanas que duró el montaje de la exposición en Ciudad de México, el equipo de Warp estuvo siempre acompañado de una enviada especial de la compañía de managment de la artista. Una menuda chica islandesa que cada día se comunicaba por Facebook Live con su compatriota y jefa para comprobar que todo estaba quedando a su gusto.

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La arquitectura ilusionista de Víctor Enrich

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Intervención digital a iconos arquitectónicos

Víctor Enrich ofrece en sus trabajos variaciones ficcionales de iconos arquitectónicos de diferentes ciudades. Basado en coberturas fotográficas de arquitectura real y el tratamiento con técnicas avanzadas de diseño 3D, este artista español aborda la arquitectura desde un punto vista distinto, mucho más cerca de Escher o Dalí que de Richard Meir.

Entre el arte y la funcionalidad

Aunque formado como arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, sus estudios en el ámbito de la manipulación digital de imágenes han sido de orden autodidacta. Muy posiblemente, su fuerte vocación artística fue la responsable de alejarlo de los condicionantes del diseño más terrenales e irrenunciables como es el de la funcionalidad para centrarlo por completo en los aspectos más subjetivos de un proyecto.

La exploración geométrica de la arquitectura

Enrich aseguraba en una entrevista concedida a la revista estadounidense Wired, que durante el proceso creativo se concentra “sólo en la exploración geométrica de la arquitectura, sin ningún otro propósito que disfrutar de las formas que puedo obtener de su manipulación”. NHDK, su serie más conocida, retrata de 88 formas distintas el edificio del NH München Deutscher Kaiser Hotel en la ciudad alemana de Munich, urbe representada en otros trabajos de este artista nacido en Barcelona en 1976.

Las piezas, disponibles en su web, son económicamente accesibles al gran público. ”No espero vivir de mi arte, eso sería muy egoísta, preferiría que fuera el público el que viviera de mi arte”, reflexionaba el artista barcelonés para un medio español.

 
Tomado de: experimenta.es

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Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción

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El IVAM presenta Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción, una nueva lectura de la colección de Julio González (Barcelona, 1876 – Francia, 1942). Custodiada por el museo desde su fundación, dicha colección está considerada la más completa que existe sobre la obra del escultor español. La exposición se puede visitar del 23 de marzo de 2017 al 14 de enero de 2018.

Julio González, una nueva lectura en diálogo con 11 artistas internacionales
De las más de 200 obras que integran estos fondos, para la muestra Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción se han seleccionado más de 40, entre las que no faltan las más singulares y representativas del denominado ‘maestro del hierro’, como Mujer ante el espejo (ca. 1936-1937), Los enamorados II (ca. 1932-1933), Daphné (1937), El sueño/el beso (ca. 1934) o Máscara de adolescente (ca. 1929-1930).

Bajo el título Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción, esta nueva presentación de la colección pretende enfatizar los conceptos existenciales de su experiencia escultórica, como son la manipulación estética de los materiales y su disposición espacial, partiendo desde la sensibilidad y la perspectiva actuales, e incorpora doce propuestas tridimensionales de los propios fondos del museo que demuestran la vigencia de las aportaciones constructivas de González, esculturas de: Andreu Alfaro, Martin Chirino, Georg Herold, Jacques Lipchitz, Miquel Navarro, Jaume Plensa, Reiner Ruthenbeck, Joel Shapiro, David Smith y Tony Smith.
Julio González, una nueva lectura en diálogo con 11 artistas internacionales

El giro experimentado por la escultura en el siglo XX respondió a los nuevos valores narrativos que aparecen en las artes visuales y que incorporaban en sus propuestas los avances en la ciencia y la cultura. Estas aportaciones a los lenguajes de la obra tridimensional rompieron desde círculos cubistas, futuristas y constructivistas el contrato con la representación clásica y la verosimilitud, activando la aparición de ideas y contextos con un carácter revulsivo.

En esta nueva presentación de la sala del IVAM dedicada a la colección de Julio González, planteada desde la sensibilidad y perspectiva actuales, se busca enfatizar los conceptos básicos de la experiencia escultórica como son la manipulación estética de los materiales y su disposición espacial.
Julio González, una nueva lectura en diálogo con 11 artistas internacionales

Para lograr este objetivo se articulan diversas áreas temáticas que configuran marcos simbólicos que ofrecen una vinculación con otras esferas de la reflexión, la expresión y el pensamiento: transformación de la mirada y la percepción, racionalidad e intuición, arquitectura y espacio, procesos y conciencia de la forma y estructura del objeto y ficción.

Qué: Exposición Las constelaciones de Julio González: entre la representación y la abstracción
Dónde: IVAM (Valencia) 
Cuándo: Del 23 de marzo de 2017 al 14 de enero de 2018

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Los españoles desde el Reina Sofia conmemora los 80 años del Guernica

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El Museo Centro de Arte Reina Sofía presenta Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica, una exposición concebida de forma específica para celebrar el 80 aniversario de la creación del Guernica, de Pablo Ruiz Picasso. La muestra se puede visitar del 5 de abril al 4 de septiembre en el Edificio Sabatini (planta 2ª). 

El Reina Sofía conmemora el 80 aniversario del Guernica con una selección de 180 obras

Picasso. Guernica, 1937. Óleo sobre lienzo 349,3 X 776,6 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Sucesión Pablo Picasso. VEGAP 2017.

La muestra Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica analiza la radical transformación que experimentó el trabajo del artista malagueño desde los años 20 hasta la realización del mural y reúne una ciudada selección de cerca de 180 obras procedentes tanto de los fondos del Reina Sofía y de diversas colecciones privadas, como de más de 30 instituciones de todo el mundo, como el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou, de París; la Tate Modern, de Londres; o el MoMA y el Metropolitan Museum, de Nueva York, que han realizado para la ocasión préstamos excepcionales.

El Reina Sofía conmemora el 80 aniversario del Guernica con una selección de 180 obras

Pablo Picasso. Las tres bailarinas, 1925. Óleo sobre lienzo 215,3 X 142,2 cm. Tate. © Sucesión Picasso. VEGAP, 2017.

La exposición aborda la visión que proyectó Picasso sobre la guerra moderna –guerra desde el aire, muerte en la distancia, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras– así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que este tipo de violencia trae consigo. En concreto, se centra en las raíces del imaginario de Guernica que podemos encontrar en obras previas del pintor, realizadas en los años posteriores a 1925, donde ya aparecen escenas de acción frenética y extática, a menudo rodeadas de un halo de peligro y que presentan situaciones de violencia explícita: bailes desaforados, feroces enfrentamientos entre el artista y la modelo, monstruosos forcejeos de índole sexual en la playa, o mujeres atrapadas en sillones con la boca abierta en un grito o rugido salvaje.

Picasso trató esta temática en varias ocasiones. Decía que en sus cuadros de desnudos el sillón simbolizaba la muerte yacente que aguarda a la belleza; y cuando le preguntaron por la tristeza y la ansiedad que acechaban los cuadros de Dora Maar, replicó abruptamente que la mujer no era más que «una máquina de sufrimiento», una declaración que algunos entendieron como compasiva y otros, como arrogante. Sin duda, en Guernica la compasión ganó la batalla.

El Reina Sofía conmemora el 80 aniversario del Guernica con una selección de 180 obras

Pablo Picasso. Woman Dressing Her Hair. Roman, June 1940. MOMA de NY. © Sucesión Picasso. VEGAP 2017.

Asimismo, cabe destacar que en el cuadro la violencia «no» es parte de un baile sexual en el que la agresión y la sumisión se mezclan con el deseo y el placer. Sin embargo, en el conjunto de la obra de Picasso a menudo sí se produce esa fusión. En este sentido, la exposición busca explorar las profundas ambivalenciasen las que incurrió el artista en el tratamiento de la violencia y la sexualidad.

En este homenaje al 80 aniversario del Guernica han participado los comisarios de la muestra Timothy James Clark y Anne M. Wagner, así como Manuel Borja-Villel y Rosario Peiró, directores del proyecto que ha organizado el museo para conmemorar la fecha de la creación de una de las obras más importantes en la carrera de Picasso y del arte moderno. Además de la exposición, el aniversario del Guernica incluye conferencias magistralespublicacionesactuaciones de artes en vivo, la creación del Fondo Documental Guernica y un espacio web para su consulta o la grabación, en colaboración con Radio3, de cápsulas musicales inspiradas en el Guernica.

Qué: Exposición Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica
Dónde: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Cuándo: Del 5 de abril al 4 de septiembre

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El verdadero care’ libro (Facebook) está en la sucursal Instagram

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«Más Bookface. Menos Facebook». Los responsables y colaboradores de Bookfacemagazine construyen fotografías a partir de portadas de libros. Alrededor añaden los elementos que faltan para convertir esa cubierta en una foto y luego la publican en Instagram.

Colocan cabezas en cuerpos, cuerpos en cabezas, manos en brazos, pájaros sobre ramas de árboles o recomponen todo tipo de objetos con una dedicación y paciencia admirable. En ocasiones, incluso se visten con ropas ad hoc o se desplazan a entornos semejantes a los de las cubiertas. Una labor de producción enfocada únicamente a que su aportación encaje como un guante con la imagen que les sirve de inspiración.

La propuesta no es nueva. Pero eso no impide que no tenga un efecto hipnótico. El sentido del humor, la creatividad y los trampantojos producidos al colocar las portadas sobre escenarios, personas u objetos reales hacen que visitar Bookface se convierta en una experiencia casi adictiva.

Con más de 3.700 seguidores, y muchos más visitantes ocasionales, Bookface se ha convertido en un juego colaborativo que, lejos de agotarse, se va retroalimentando a medida que se resuelven imágenes más complicadas. De hecho, en su archivo hay pocas imágenes mal ejecutadas o que no acaben de funcionar. 

Algunos de esos colaboradores mantienen una relación más que habitual con Bookface. Librerías como la francesa Mollat o bibliotecas como la de la Universidad Autónoma de Madrid acostumbran a aportar nuevas imágenes con frecuencia.

Es comprensible. Sus trabajadores están en contacto constante con libros. Tomar una foto de estas características con el móvil es una divertida forma de animar la jornada laboral. 

 hace falta ser profesional del mundo del libro para participar. Cualquiera puede hacerlo. Sólo es necesario un libro, un móvil, una cuenta de Instagram, algo de imaginación y etiquetar la imagen con el hashtag#bookface. Aún hay muchas portadas esperando a ser completadas.

 

 

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