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¿Por qué no todas las mujeres están listas para la moda? — Cultura Colectiva

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–¿Queda algo que, al menos parcialmente, no sea regido por la moda?Ni banal ni despreciable, la moda es mucho más compleja que eso. Es parte de un sistema, de un pensamiento y de una realidad posmoderna a la que no todos pertenecemos. Para Gilles Lipovetsky, filósofo, sociólogo y escritor inglés, lo efímero de nuestro presente no…

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La misión de salvar el arte fugaz en la Internet

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En la década de 1990, el arte encontró un nuevo medio. Anárquica y sin restricciones, la World Wide Web atrajo una colección excéntrica de personas dispuestas a hacer casi cualquier cosa y llamarlo arte. A menudo, su trabajo se veía extraño y poco profesional, con los gráficos pixelados, música chiptune metálico y colores llamativos. Pero lo que le faltaba estéticamente se compensaba con convicción.

En Australia, cuatro mujeres que se hacía a sí mismos VNS Matrix registraron un “Manifiesto Ciberfeminista para el siglo 21”, seguido de un cartel-vagina, enmarcado en el que alegremente se proclamaron “saboteadores de la gran computadora central papá.” En Moscú, una joven llamada Olia Lialina creado “Mi novio volvió de la guerra,” una narrativa bifurcación, conmovedora y oblicua, que el texto se combina con imágenes en blanco y negro granulado. Una mujer anónima en Amsterdam, finalmente identificada como Martine Neddam, construyó un sitio de colores brillantes que se pretende que sea la página de inicio de una de 13 años de edad, de nombre Mouchette, después de que la chica de la película de 1967 de Robert Bresson que encuentra una vida de tormento y abuso demasiado difícil de soportar.

En los primeros días de la web, el arte era con frecuencia una causa y el Internet era un universo alternativo en el que para conseguirlo. Dos décadas después, la preservación de este trabajo se ha convertido en una misión. Como los navegadores web y sistemas operativos de ordenadores dejaron de apoyar a las herramientas de software que fueron construidos, muchos trabajos han sido víctimas de la obsolescencia digital. Las posteriores han sido víctimas de decisiones arbitrarias de las plataformas de Internet de propiedad – como cuando YouTube elimina video “VVEBCAM” de Petra Cortright con el argumento de que viola normas de la comunidad del sitio. Incluso las pinturas de goteo de Jackson Pollock hechas con pintura de casa les ha ido mejor que el arte realizado mediante la manipulación de los electrones.

Ahora la organización arte digital Rizoma se ha propuesto dar una cierta estabilidad a este medio evanescente. En un simposio que se celebrará el jueves, 27 de octubre, en el New Museum, su pareja de mucho tiempo y de respaldo, Rizoma planea iniciar un ambicioso proyecto de archivo. Llamado Net Art antología, es proporcionar un hogar en línea permanente de 100 obras de arte importantes, desde hace mucho tiempo muchas de las cuales han desaparecido de la vista. Con una donación de $ 201,000 de la sede en Chicago Art Foundation Thoma Carl & Marilynn , Rizoma dará a conocer una obra, recientemente reformado, una vez a la semana durante los próximos dos años, a partir del 1991 “Manifiesto Ciberfeminista.” En 2018, Rizoma estará presentando obras de artistas como Cory Arcangel y la Sra Cortright.
Además de rescatar el pasado, el objetivo es contar la historia del arte basado en Internet en una galería que sirve la misma función narrativa como las galerías en el Museo de Arte Moderno. “Hay una sensación de amnesia sobre la historia de estas cosas tienen”, Michael Connor, director artístico del rizoma, dijo mientras se sentaba en la cafetería de la planta baja del nuevo museo. “Esta es una oportunidad para ser realmente riguroso.”

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Olia Lialina‘s “My Boyfriend Came Back From the War.” Credit Franz Wamhof

A grandes rasgos, la historia Rizome está diciendo se puede dividir en dos partes, con el colapso de las puntocom de 2000-1 como el punto de inflexión. El lado posterior a la burbuja se ve relativamente familiar, facilitado como está por la alta velocidad, conexiones permanentes y se caracteriza por una rápida comercialización y la aparición de las redes sociales y plataformas de streaming de video como Facebook (2004), YouTube (2005) y Tumblr ( 2007).

Pero antes de que la burbuja en las acciones de Internet estallara, antes de que Google se hizo cargo y Netscape se derrumbó y Apple fue resucitara de estar cercana a la muerte, la web era “un mundo completamente nuevo”, como el Sr. Arcangel, de 38 años, lo puso en una entrevista telefónica desde su casa en Noruega. “A veces ni siquiera era claro lo que estaba viendo – que era una obra de arte o un servidor web que se rompió?” Aun así, sabía algo interesante estaba ocurriendo.

Mark Tribe , fundador del rizoma, que es ahora el jefe de departamento del programa de bellas artes MFA en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, describió que era como sentirse “muy nuevo y diferente a todo lo que estaba pasando.” También me sentí anti-comercial – a pesar de que el Sr.Tribe señaló, “es fácil de ser anti-comercial cuando el mercado no le importa lo que está haciendo.”

Rhizome ha sido parte de la historia del arte neto desde el principio. El señor de la tribu, el hijo del profesor de derecho de Harvard Laurence Tribe , fue un artista de 29 años de edad que vive en Berlín, cuando estableció en 1996. Se había profundizó en el naciente movimiento en Ars Electronica , el festival anual de arte electrónico en Austria, y la consideró “una comunidad en línea a punto de ocurrir” – por lo que su organización comenzó como una lista de correo.

Su nombre fue inspirado por los filósofos postestructuralistas franceses Gilles Deleuze y Félix Guattari-Pierre , cuyo libro “Mil mesetas” a Mr. Tribe había traído de Berlín. Se encontró con la palabra “rizome”, mientras que el índice estudiando detenidamente. Un término biológico se refiere a los lateralmente difusión, sistemas troncales subterráneas de las plantas como los tulipanes y de bambú, se aplica aquí a la propagación de las ideas. “Fue una metáfora de una red distribuida en horizontal, no jerárquica,” explicó el Sr. tribe – en otras palabras, para el Internet.

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Miltos Manetas, Jesús Natación (2001). Crédito Miltos Manetas

La postura política de Net Art era característica de la excitación febril, tecno-utopía compartida por netheads en general. “Había una idea radical de que internet iba a cambiar la forma del arte el como produce y como se comparte,” dijo Lauren Cornell, que fue director ejecutivo de Rizome 2005 a 2012 y que desde entonces se ha movido al nuevo museo como curador y director asociado de iniciativas tecnológicas. “Que incluso podría acabar con las instituciones tradicionales y los guardianes” – es decir, los museos y curadores.

En cambio, fue Net Art, que comenzó a desaparecer. Rizome comenzó a tratar de preservarla en 1999 con la creación de ArtBase , un archivo en línea que desde entonces ha crecido a más de 2.000 obras. La organización se convirtió en una filial del New Museum de 2003, el ahorro de grupo desde casi-cierto olvido. Pero incluso entonces era evidente que para mantener Net Art y no desaparecer en el éter, algo drástico tendría que ser hecho.

La preservación de este trabajo no es sólo una cuestión de la carga de archivos informáticos de edad. “Los archivos no significan nada sin el navegador,” el Sr. Connor, de 38 años, dijo. “Y el navegador no significa nada sin el equipo” que puede correr. Sin embargo, los navegadores de hace 15 o 20 años no funcionarán en los ordenadores de hoy en día, y las computadoras de esa época son difíciles de conseguir y aún más difíciles de seguir trabajando.

Dragan Espenschied, director de conservación de Rizome, ha estado trabajando con la Universidad de Friburgo en Alemania para desarrollar un marco sofisticado software que emula los entornos informáticos obsoletos en las máquinas actuales.

Otra variación de este enfoque es oldweb.today , que comenzó en diciembre de rizome como un servicio gratuito. Oldweb le permite viajar en el tiempo en línea, visita a páginas web archivadas de fuentes tales como la Biblioteca del Congreso en una ventana que imita un navegador temprana. Una segunda iniciativa Rizoma es WebRecorder , un programa gratuito que permite a los usuarios crear sus propios archivos de páginas web disponibles en la actualidad. Eso puede ayudar a preservar las obras en línea están creando hoy en día.

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“Kill That Cat” from Mouchette.org. Credit Mouchette

Es una pena que no estaba presente en 2011, cuando la Sraborra de YouTube  “. VVEBCAM” de Cortright El vídeo en sí es bastante inocuo: no del todo los dos minutos de la Sra Cortright mirando impasible hacia abajo mientras figuras de dibujos animados – gatos, perros, loros, rebanadas de pizza , lo que tiene – la deriva a través de la pantalla. Menos inocua eran los comentarios que dejan las personas que habían sido atraídos por el video por las palabras clave que se había unido a él como cebo – “nombres de celebridades, cosas de sexo, Pokemon, Nascar, los deportes, la política”, dijo en una entrevista reciente , una larga lista de temas que eran completamente irrelevante para lo que en realidad nadie vio.

“VVEBCAM” era provocativa, y se obtuvo una respuesta fuerte. “La gente estaba realmente desagradable,” dijo ella, “y mi política era siempre para responder de una manera que era igual o mayor que los comentarios que han hecho.” Rizome tiene la intención de insertar el video en un reproductor de YouTube reconstruida, pero no hay manera para recrear la reacción provocó el video. “No es como si estuviera tomando capturas de pantalla”, dijo. “Cuando se ha ido, se ha ido.”

¿Qué se puede decir de Net Art en sí. “Net Art no ha terminado,” El señor de la tribu, dijo, “pero es más como un movimiento artístico de vanguardia.” En su lugar está el arte publicado en internet y no por renegados del mundo del arte, pero por profesionales para los que el Internet es una medio – entre muchas personas como la señora o el señor Cortright Trecartin, cuyo delirio vídeos inconexas son igualmente en el país en YouTube y en la Galería Saatchi en Londres.

El término que se está utilizando es posterior a la Internet Arte – no “post” en el sentido de que la Internet ha terminado, pero que es omnipresente. En la era post-internet, internet simplemente se asume.

“Es diferente, ahora que todo el mundo está en línea”, dijo Cortright, 30. “Incluso hace 10 años, no era tan parte de la vida de las personas como lo es hoy.” Ella considera que es “admirable” que Rizoma ha comprometido a preservar los artefactos de un pasado que es tan reciente y tan distante, “de lo contrario, lo que realmente se perderían.”

Y, sin embargo, agregó, “no se puede ser demasiado apegado a algo que es completamente fugaz. No lo sé. Lo que ocurre “.

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Versos a pie de calle

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  • Texto: Clara Paolini

“Lo bueno, si breve, dos veces bueno”. Una afirmación que resulta una gran mentira si nos referimos, por ejemplo, a las vacaciones, la sobremesa o al sexo, pero que es un refrán acertado si se aplica a ámbitos donde la capacidad de síntesis resulta ventajosa o incluso indispensable. Uno de esos campos es la palabra escrita del siglo XXI donde lo corto, conciso y directo es si no mejor, doblemente efectivo. El otro es la poesía en forma de aforismo.

 

“La brevedad es lisongera, y más negociante; gana por lo cortés lo que pierde por lo corto. Lo bueno, si breve, dos vezes bueno; y aun lo malo, si poco, no tan malo”. Baltasar Gracián

 

En la era de la brevedad, donde tweets, memes, mensajes de WhatsApp y slogans publicitarios marcan la preferencia por una comunicación sin rodeos, los aforismos viven un renacimiento acorde a nuestros tiempos. Todo lo inunda la prisa, la necesidad de estímulos en dosis concentradas, la relevancia de lo urgente en lugar de lo importante y se percibe una cada vez más desmejorada capacidad de atención que afecta a la lectura sosegada. En este contexto, la micropoesía se convierte en una buena forma de dar salida a la necesidad sensibilidad, belleza y pensamiento.

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Acción Poética en Playa del Carmen, Quintana Roo. (Foto: Adrián Cerón / Bajo Licencia Creative Commons)

De forma presisa y coherente, los micropoetas encapsulan significados de los que es posible disfrutar en apenas un vistazo, y si además se opta por el canal adecuado, lo bueno ya no es dos veces bueno, si no que puede llegar a ser triplemente mejor. ¿Dónde y cómo revivir la poesía? La respuesta parece encontrarse en las calles, incrustada en la vida diaria como acompañante.

 

“Que la gente no lea poesía no significa que no la necesite”. Armando Alanís

 

Armando Alanís, uno de los fundadores del Acción Poética tenía razón cuando señalaba “que la gente no lea poesía no significa que no la necesite” y  los versos callejeros hacen mucho más sencillo recibir esa dosis vital que nos aleja de la rutina animal. Los versos a pie de calle no piden nada; ni de tiempo, ni libros, ni tan si quiera que sintamos el deseo de leerlos.

En las calles la casualidad democratiza la necesaria medicina poética que nos recuerde que somos seres sensibles y pensantes. Algunos los consideran grafitis porque su medio es el muro callejero, con su carácter efímero, libre y subversivo, pero a diferencia de éstos, su valor radica en la palabra recuperando el valor de una poesía casi olvidada.  Son, al fin y al cabo, otra forma de literatura.

En cemento, en muros de ladrillo, en cubos de basura, en mobiliario urbano… Cualquier rincón es bueno para los versos, y aquí hemos recopilado algunos de los mejores ejemplos de ello. Poesía a pie de calle en estado puro para alegrar la vista y el espíritu.

 

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Foto: Acción Poética Trenque Lauquen bajo licencia Creative Commons

 

1.  Acción Poética, un movimiento contagioso que cruza fronteras

Se trata del más conocido ejemplo y ha dado nombre a todo un movimiento. Bajo el nombre de Acción Poética se dio inicio a un fenómeno que sigue llenando de palabras los muros a ambos lados del charco, englobando a un casi infinito número de artistas, colectivos y poetas esporádicos.

Sus orígenes se remontan al año 1996, cuando el poeta mexicano Armando Alanís Pulido empezó a bañar de poesía las calles de de Monterrey, México. A partir de entonces, el movimiento fue propagándose como una bella plaga, dando lugar a la emergencia de otras acciones basadas en la misma técnica y filosofía.

Argentina, Uruguay, Perú, Bolivia, Paraguay, Puerto Rico, Nicaragua, Guatemala y Venezuela…Sin poesía no hay ciudad es un lema que ha llegado a impregnar cada rincón calando de romanticismo, denuncia y reflexión las urbes; una realidad que ha quedado retratada por varios documentales como Llueve Poesía, donde se narran los inicios y motivaciones que empujaron a Acción Poética a convertirse en lo que es.

Pero este movimiento artístico-literario no sólo ha llenado de poesía las grandes ciudades de Latinoamérica, sino que ha conseguido cambiar los paisajes de pequeñas poblaciones de todo el mundo. Un buen ejemplo de ello es Colmenar de Arroyo, un pequeño pueblo de España donde Luis Santos sigue los pasos de Alanís Pulido convirtiendo las paredes del pueblo en un auténtico escaparate de creatividad literaria con el apoyo del Ayuntamiento.

2. Cubos de basura neorrabiosos

Batania, el vizcaíno detrás de la firma Neorrabioso, no se limita a reproducir versos empalagosos de otros autores en las paredes. Apasionado de la (buena) literatura y lector empedernido como bien demuestra su blog, como escritor bebe de los grandes creando un lenguaje propio, tan rico como sencillo. Además de su demostrada habilidad para juntar palabras con acierto, lo que caracteriza a este poeta es el inusual soporte alejado de la página de papel donde vierte sus versos.

En cubos de basura, Neorrabioso ofrece sabiduría, sentimiento y fuerza a todo madrileño que se digne a mirar los omnipresentes contenedores de desperdicios de Madrid.

Desde merecidos (por escasos) homenajes a los inmigrantes, pasando por la introspección de los versos más personales hasta frases de denuncia que inviten a la reflexión de nuestro contexto social y político: “Liberqué, fraterniquién, igualicuándo”, “me niego a vivir en serio y en serie”, “la costumbre es la ideología de los cobardes”, “más que necesaria, la poesía es inevitable”. Píldoras para la mente conteniendo pensamientos no desperdiciados.

Neorrabioso, soldado en la guerra del verso. (Foto: R2hox vía Flicker bajo licencia Creative Commons)
Neorrabioso, soldado en la guerra del verso. (Foto: R2hox vía Flicker bajo licencia Creative Commons)

 

3. El colectivo Boa Mistura te comería a versos

Hace un par de años, el colectivo Boa Mistura aderezó los pasos de cebra de Madrid y Barcelona de poesía. Versos extraídos de las canciones de Rayden, Leiva, y de la micropoetisa Ajo en Madrid. De Montse Aroca, Amaia Crespo y María Leach en Barcelona, el proyecto Te comería a versos es uno de los mejores ejemplos de una colaboración productiva en pro de la sustancia.

Cosas que le pasan a Ajo. (Foto: Boamistura)
Cosas que le pasan a Ajo. (Foto: Boamistura)

Descrita por sus autores como “un acto de amor de artistas y poetas hacia la ciudad de Madrid”, pero también un sustento por parte del propio colectivo hacia el trabajo de los artistas que colaboraron en el proyecto. Con el altavoz de lo visual, los mensajes efímeros alegraron el paso de viandantes hasta su desgaste.

Versos de la micropoetisa Ajo en las calles madrleñas. (Foto: Boa Mistura)
Versos de la micropoetisa Ajo en las calles madrileñas. (Foto: Boa Mistura)

4. Al mal tiempo, buenos versos

También de algo efímero que transforma el paisaje urbano hablamos, puede que no exista mejor ejemplo que la lluvia mojando el asfalto. El Ayuntamiento de Boston y el colectivo Mass Poetry, que apoya la comunidad de poetas de Massachussets aprovecharon para sacar la mejor cara al mal tiempo creando una curiosa propuesta de acción poética: poemas callejeros que sólo aparecen en contacto con el agua. Una original manera de crear instantes temporales cargados de sorpresa.

5. Robert Montgomery, el artista que convierte la publicidad en poesía

El artista escocés Robert Montgomery crea sus obras de noche, vandalizando carteles que originalmente mostraban anuncios publicitarios para cubrirlos con su poesía. Tipografía blanca sobre un fondo negro, gritando ideas sobre la belleza, el consumismo y la hipocresía en una elegante combinación verbal.

Heredero (como dicen tantos otros artistas) de los inimitables situacionistas, y en una línea similar a la de la artista Jenny Holzer en sus proyecciones o carteles de sala de cine, Montgomery ofrece instalaciones cargadas de ideas incómodas en lugares inesperados, acertados y públicos.

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Situacionismo moderno. (Foto: Robert Montgomery)

Una pequeña pincelada que demuestra que la libertad de expresión poética está en buena forma, y para ejercerla basta con atreverse. Héroes anónimos, palabras sin bozal es ideas regaladas; ejemplos hay muchos, muy buenos y afortunadamente, surgen cada día en todas partes. Sin poesía, hay ciudad, pero con poesía, hay ciudad despierta, alegre, pensante y sonante.

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Ellas también escriben

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Con la resaca del premio Planeta 2016, uno de los galardones más importantes de las letras españolas, aún resuena el nombre de Dolores Redondo. Mujer y escritora. Dos conceptos que el peso de la historia ha soterrado en el olvido. Más allá de ser una soflama feminista, basta acercarse a la lista de premiados de los galardones de las letras más prestigiosos del mundo para subrayar esta desigualdad. Sólo 16 escritoras figuran entre el centenar de ganadores delNobel de Literatura. Únicamente dos mujeres engrosan el Nacional de Narrativa: Carmen Martín Gaite y Carme Riera. Y con el Cervantes ocurre lo mismo, sólo cuatro narradoras hasta la fecha: Dulce María LoynazMaría ZambranoAna María Matute y Elena Poniatowska. Si hablamos de la institución académica de las letras por antonomasia, la Real Academia Española, la desigualdad también se traslada a sus asientos, sigue habiendo nada más que ocho académicas de 44 miembros.

Pese a que las escritoras llevan toda la Historia rebelándose, su legado no ha sido reconocido. Para rescatarlas del olvido este año se ha instaurado el 17 de octubre el Día de las Escritoras, una iniciativa de la Biblioteca Nacional, la Asociación Clásicas y Modernas y la Federación de Mujeres Directivas. Además de los actos programados(hay una lectura de 30 narradoras este lunes a las 19.30 horas en el Auditorio de la BNE), esta fecha sirve para dar a conocer a creadoras emergentes y clásicas que con sus historias dan voz y forma a personajes femeninos. A continuación hablamos de algunas de las escritoras más relevantes del siglo XX y XXI.

1. Dolores Redondo

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Foto: Josep Lago / AFP

Dolores Redondo es la flamante Premio Planeta 2016 por el manuscrito de Todo esto te daré, presentado a concurso bajo el seudónimo de Jim Hawkins bajo el título falso de Sol de Tebas. Su novela ganadora se aleja de su obra más exitosa hasta la fecha, la Trilogía de Baztán, publicada en la editorial Destino. Dolores Redondo era una escritora desconocida hasta que, como ha contado en tantas entrevistas, decidió contratar a una agente. Con sus misterios en los bosques de Baztán protagonizada por la inspectora de homicidios de la policía local de Navarra Amaia Salazar, Dolores Redondo se hizo un hueco en el ránking de escritoras más vendidas. La primera entrega fue El guardián invisible; la segunda, Legado en los huesos; y la tercera, Ofrenda a la tormenta. La saga ya se ha traducido a una quincena de lenguas y sus ventas sólo en español ya se acercan al millón de ejemplares.

2. Virginia Wolf

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Foto: Archivo

Virginia Wolf es considerada una de las escritoras más importantes del último siglo. Renovó la novela moderna y perfeccionó muchas técnicas narrativas. La escritora británica fue una de las mentes más lúcidas contra la encorsetada herencia victoriana y una firme defensora de que las mujeres firmasen como ellas mismas sin ser catalogadas de literatura romántica y mojigata.

Su legado ha sido comparado al de grandes escritores como James Joyce, Thomas Mann y Franz Kafka. Algunas de sus obras más famosas son Las olasLa señora Dalloway y Alfaro. Fue pionera en la reflexión sobre la feminidad y un referente histórico en el feminismo.

3. J.K. Rowling

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Foto: Neil Hall / Reuters

J.K. Rowling es una de las escritoras más exitosas e influyentes del mundo contemporáneo. Su fama mundial llegó gracias a la saga de Harry Potter. Las historias del mago más conocido del mundo le reportaron una riqueza astronómica, que la convierten en una de las británicas más ricas. Aunque Rowling ha escrito otros libros infantiles e incluso novelas para adultos, como Una vacante imprevista o The Cuckoo’s Calling, su éxito no ha sido comparable al de la saga acaecida en Howarts. La escritora ha sido reconocida con varios títulos honoríficos, como la Orden del Imperio Británico en el año 2000.

Tras haber publicado la última entrega de Harry Potter, la escritora británica prepara un spin-off de la saga que escribió en 2001 y que saltará a la gran pantalla el próximo mes de noviembre.

4. Rosario Castellanos

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Foto: Archivo

Rosario Castellanos fue una admirable narradora y poeta mexicana, considerada como una las más importantes escritoras mexicanas del siglo XX. Estudió letras en la Universidad Nacional Autónoma de México y después se trasladó a Madrid para continuar sus estudios. Sus obras siempre han demostrado una honda preocupación por la vida indígena (sus miserias, su coraje y su situación de abandono) y las mujeres.

Su poesía destacó con obras como Trayectoria del polvo y Lívida luz. En cuanto a sus novelas, se caracterizan por retratar la tradición costumbrista como Balún Canán u Oficio de tinieblas, en las que se observa una atmósfera social y mágica de Chiapas.

5. Ana María Matute

MD48. MADRID, 17/12/08.- La escritora Ana María Matute, durante la presentación de su novela "Paraíso inhabitado", una obra en la que recrea de forma magistral la infancia de la mujer que la protagoniza, que en muchos aspectos recuerda a la de la propia autora. EFE/Juan M. Espinosa
Foto: Juan M. Espinosa / EFE

Ana María Matute es una de nuestras escritoras más ilustres. Fue miembro de la Real Academia Española, donde ocupó el asiento ‘K’. En 2010, se convirtió en la tercera mujer que recibió el Premio Cervantes. Durante la posguerra sus obras sufrieron ataques como ninguna otra. Las tijeras de la censura la maltrataron creativamente e incluso llegaron a silenciarla. De ahí que el silencio y la soledad hayan sido rasgos comunes en sus obras. “Es posible que el silencio sea la felicidad”, le hizo decir a uno de sus personaje. En más de una entrevista llegó a manifestar que el silencio lo abarca todo.

Muchas de sus obras se caracterizan por narrar el período desde la niñez a la vida adulta, así como por el pesimismo, lo que dota a sus novelas de un carácter más real. Algunos de sus títulos más conocidos son la trilogía de Los Mercaderes (formada por Primera memoriaLos soldados lloran de noche y La trampa), Luciérnagas y Olvidado rey Gudú.

Además del Cervantes, Ana María Matute ha obtenido a lo largo de los años numerosos reconocimientos, como el Premio Nacional de Literatura Infantil y el Premio Nacional de las Letras Españolas.

6. Toni Morrison

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Foto: Philippe Wojazer / Reuters

Toni Morrison es considerada fundadora de una literatura escrita desde y para los negros. Su narrativa genuina y femenina fue galardonada con el premio Nobel en 1993. Trabajó como editora en Random House y descubrió a algunos de los escritores de la literatura afroamericana. Su primera novela fue Blue eyes en 1970 y con su libro La canción de Salomón obtuvo el National Books Critic Award y el premio oficial de la crítica. Este texto la convirtió en una de las autoras contemporáneas de Estados Unidos. En 1987 apareció Beloved, con la que obtuvo el premio Pulitzer.

7. Paula Hawkins

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Foto: Matt Dunham / AP

Paula Hawkins rompe con la idea que se tiene de que las escritoras, por norma general, no venden. Su libro La chica del tren se ha convertido en todo un fenómeno de ventas que ha desbaratado por completo el mercado anglosajón, siendo número 1 de ventas más de 20 semanas en la lista elaborada por The New York Times y encabezando las de BooksellerThe GuardianThe Wall Street JournalThe Boston Globe y Amazon. Según los datos de Planeta, la editorial que la ha traído a España, cada seis segundos se vende un ejemplar en Estados Unidos y cada dieciséis en Reino Unido. La chica del tren ha vendido 5 millones de ejemplares en todo el mundo y ha sido publicado en 30 países. Sólo en España, ha llegado en tan sólo un mes a la séptima edición.

La chica del tren es una mujer alcohólica, divorciada y en paro que fantasea con una pareja que vive en una de las casas de la urbanización en la que ella antes residía con su ex marido Tom. Todos los días coge el mismo tren para seguir desde su ventana la vida de Jess y Jason, una pareja que parece tener una relación idílica. Pero un día ve algo. Sucede muy deprisa, pero es suficiente. ¿Y si Jess y Jason no son tan felices como ella cree? ¿Y si nada es lo que parece?

La adaptación cinematográfica del best-seller protagonizada por Emily Blunt se estrena el próximo 21 de octubre.

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El Policía

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Cuento de Alfredo Moreno

“Familia es familia Y cariño es cariño.”
(Rúben Blades)

Ya el calor de la tarde y el ruido que minuto a minuto rechina de los carros y del alboroto de la esquina, me tienen con ganas de soltar este uniforme y salir corriendo de vuela a mi casa, aun me quedan pocas horas para entregar mi guardia, pero me lleno de valor y a pesar de las incomodidades climáticas y ruidosas, continúo con mi trabajo, tratando de poner orden al espacio asignado por el comisario Esteban Aristimuño.

Me he topado con cantidades de casos, la mayoría trato de resolverlos por la vía más fácil, sin tanto papeleo, sin tramites, sin multas, pero sí, con una buena suma para aliviar mis penas monetarias qué día a día se han visto tan trastocadas por los embates de la inflación venezolana que hace que gaste hasta el último pelo que guardo en mis bolsillos.

Ésta vez no es así. La observo, la vuelvo a mirar, la admiro, por último me dirijo a ella ya que con poca prudencia ha osado a estacionar su vehículo en un lugar no permitido en mi zona de vigilancia. La primera vez que me dirijo, la dama ésta muy hermosa, delgada, cabello rizado de color oscuro, ojos grandes, de un color dorado que recuerda los almacenes de oro de los emperadores aquellos que solo nacían para coleccionar este precioso metal, su mirada penetrante y a su vez hermosa. Llevaba un pantalón que asomaba sus grandes caderas, de color verde, combinado con una blusa corta de color marrón. Entro en materia, le hago el alerta “Disculpe usted Srta., en ese lugar no podrá aparcar su vehículo” inmediatamente y como una bala, impulsada con el arma más precisa, sale ella del auto y me dice: “voy y vuelvo rápidamente”; nuevamente, pero con un tono más de policía actual le respondo: “No puedes estacionarte ahí, si no mueves tu carro ya, tendré qué tomar medidas y hacerte una multa, ya verás”; Sin mediar otra palabra, la hermosa dama acciona el botón de su control y cierra su auto en el lugar no permitido. Solo me quedo mudo, observando, hasta que caigo en cuenta que se burló de una orden de un funcionario y procedo a levantar el informe requerido por la administración policial para estos casos.

Pasan varios minutos – exactamente 35 – vuelve su risa y mirada a inundar la cuadra, pero al llegar al lugar del acontecimiento, estoy yo, ahí, esperando, terminando de colocarle en su lindo deportivo la calcomanía de infractor, y llenando la boleta de la multa. Con mi cara más sarcástica, algunas veces nosotros los policías disfrutamos de hacer este tipo de cosas. Aquí es donde comienza la historia y la histeria. Le informo que tiene tres días para impugnar la multa y qué debe cancelar en los bancos que aparecen al dorso de la boleta. Le solicito su cédula y documentos de su carro, primero se niega y comienza a remover del vidrio la etiqueta que tan fácil es de pegar, pero de un complicado remover. Yo vuelvo a solicitarle los documentos hasta que me los entrega y continúo completando y chequeando que todo esté en orden. Cuando comienzo a llenar los datos en la planilla de la multa, veo una coincidencia con el apellido de esa dama; ¿eres Casanova? ¿De que parte?, refiriendo a zona o región del país; ella no me responde, pero yo dejo de hacer la boleta e insisto: ¿de qué parte es usted?. Yo: mi familia es del Táchira y también firma con ese apellido, le digo a ver si ella me corresponde y le saco algunas palabra, efectivamente, pero no muy convencida, exclama: mi abuela es de San Cristóbal, creo, sé qué son de los andes pero no estoy segura de dónde exactamente. Dejo mi libreta de multas y comienzo una conversación acerca de la coincidencia. Poco a poco va pasando la histeria de la dama y va fluyendo un diálogo donde las preguntas son las respuestas de las mismas. En una ocasión le pregunto: ¿cómo se llama tu abuela? Y su inmediata fue: ¿Tu abuela está viva? Y yo sin pesar y continuando esta especie de juego de preguntas sin respuestas suelto la mía: ¿cuántos años tiene tu abuela? Y ella me responde rápidamente mi abuela se llama Blanca, bueno, todos les decimmos así porque su verdadero nombre creo que es: Sebastiana o Sebastiana de la Cruz, algo así, ¡sabes cómo era esos gochos antes! Ella se vino muy joven a Caracas, ¡ella no cuenta mucho de su infancia!, pero creo que ella no tiene familia allá. Yo ahora si pienso lo que voy a decir y un poco ansioso le cuento un poco sobre mi abuela: Se llama Maxímina y tiene como 84 años, mi abuelita es un amor como seguramente es la tuya, yo creo que tengo una foto en mi celular si quieres te la busco, ella esta viejita, pero igual, es una máquina de hacer cosas y de mandar a todo el mundo, no se olvida de nada, se recuerda de todos y de cada uno de sus hijos, nietos y bisnietos, que ya somos un gran número; Casi todos le decimos Maxi.

Entramos en cuenta que ya no tengo más que contarle de mi abuela, y ella en su lugar, esperando que yo le diga algo más o que simplemente le entregue los papeles para retirarse con su vehículo, hago otro intento de buscar un nexo familiar entre nuestras familias y le solicito su número de teléfono para comentarle a mi abuela y si ella se recordaba de algo le estaría realizando una llamada. Me guardo la multa en el bolsillo trasero de mi pantalón y le entrego sus papeles y sin decir nada, en un papel me escribe un número de celular, toma sus papeles y sin despedirse acciona el botón de su alarma y se marcha.

Camino a mi casa, cansado de tanto sol, me devuelvo en el instante en que me cuenta sobre su abuela Blanca. Apuro el paso, antes de llegar a mi casa, me desvío y entro a casa de Maxí. Vivimos casi montados unos sobre otros, como se acostumbra en las zonas populares de Caracas. Hago el saludo cotidiano de bendición y de más, ella como siempre saca su arsenal de café recién colado y me lo sirve acompañado de un delicioso pan que devoro en tres bocados. Ya llevo como unos 15 minutos haciéndole compañía le suelto la pregunta sobre sus hermanos. ¿Abuela usted tiene hermanas? Ella con temor, pero con firmeza, me responde: sí mijo como 3. Pero no recuerdo nada de ellas. Yo me fui con Patrocinio, su abuelo, cuando era muy joven, y mis hermanos se fueron todos al campo y las hembras fueron repartidas a demás conocidos. Vuelvo con otra pregunta: ¿Se recuerda de los nombres de sus hermanas? Y ella como es de esperar, responde con una pregunta: ¿Y a usted qué le pasa? ¿Qué esta averiguando? ¿Dígame qué se trae entre ceja y ceja? Yo un poco ansioso, comienzo a contarle; Abuela: Hoy estaba trabajando, y de repente, una muchacha verdaderamente elegante, se estacionó en un lugar que no podía, yo estaba en ese lugar y le hice el llamado de atención, el cual no acató y fue así que comencé a conversar con ella. Ajá ¿Y qué carajo tengo que ver yo en ese problema? Tenías que hacerle la multa y listo, no ponerte a estar echándole los perros siendo usted un hombre legalmente casado y con hijos.- Abuela, espere,- la familia de la muchacha lleva el mismo apellido que los nuestros, y de paso es de los Andes, para ser más exacto de Lobatera. Allí mi abuela cambió la cara de molesta a impresión de respuestas a preguntas. ¿Cómo se llama esa muchacha? Ya va abuela espere que termine de contarle, Ella es Caraqueña al igual que su mamá, pero su abuela, que vive en el Táchira se llama Blanca Casanova y yo solo quería saber si por casualidad es la hermana suya. Eso era mi ansiedad, por eso la cargué de preguntas al llegar a casa.

Tengo muchos años que no sé de nadie de mi familia, apenas tengo turbios recuerdos de mi niñez, pero, te voy a confirmar qué tenía una hermana que era mi mejor amiga, mi confidente, mi acompañante, era la más pequeña en edad, pero en la época de colegio siempre íbamos juntas y volvíamos ambas jugando por la calle empedrada del caserío o del campo donde vivíamos. En estos pocos recuerdos que tengo de mi niñez, aunque son pocos, siempre está mi hermanita, con su carita sonriente y sus ojos azules llenos de alegría, ella aunque lloviera estaba contenta. Cuando llovía todo se anegaba de agua no se podía ir a ningún lado, no podíamos cocinar, ni caminar, ni hacer nada, solo secar y sacar el agua hasta que la tierra hiciera su trabajo. Ella a pesar de ese trabajo que nos daban los fuertes aguaceros del estado Táchira, siempre sin reclamar y con el ánimo que la caracterizaba, hacia todo lo que se le ordenada de forma correcta y de paso con entusiasmo y alegría. En cambio yo: siempre me molestaba los primeros minutos hasta que ella me entusiasmaba y culminábamos las labores felices, en esa época solo teníamos diez años ella, trece años yo.

Recuerdo claramente una tarde cuando nuestros padres llegaron a la casita donde vivíamos en el campo y sin decir nada nos dieron sendas bolsas para recoger nuestras cosas. Ese día, (sin saber el porqué) estábamos en nuestro lugar guardando todo en las grandes bolsas sin saber a donde las llevarían o a donde nos mudaríamos. Llegué a pensar que volvería nuevamente a llover y nuestros padres estaban resguardando los 4 trapos que teníamos para la fecha. Ni una palabra mencionamos, solo sé que mi hermana tenía en su rostro algo extraño, sus ojos querían como expresarme algo, decirme algo, su boca no hablaba, sus gestos tampoco, pero esa mágica mirada continuaba emitiendo emociones, que en este caso no comprendí hasta que más avanzada la tarde, casi noche, llegó una familia en un carro. Era un Sr. Mucho más joven que mi padre, se sentaron en el comedor, estuvieron conversando como unos veinte minutos hasta que me llamaron.

Ese fue el último día que vi a mi familia. A partir de ese día no borro de mi memoria esa mirada de tristeza de mi hermana solo me bastaron horas para comprender lo triste que se sentía, no pude ni despedirme de ella. Me fui a vivir a un sitio que ni sabía dónde quedaba, a partir del día diez fue que comencé nuevamente a comunicarme y a pedir explicaciones. Quería volver a ver a mi gente, pero resulta que mis padres ya estaban muy enfermos y sin recursos y optaron por darnos a familias para culminaran nuestra formación.

Bueno yo no dure mucho con esa gente, hasta se me olvidó el nombre de ellos, más adelante me casé con su abuelo y desde ese momento hasta que él murió, estuve junto a él. Volvimos al campo, pero ya no quedaba ninguno de mis familiares, luego fuimos a vivir a San Antonio, allí duramos como unos años, hasta que volvimos a Lobatera, a trabajar nuevamente el campo y así poder sustentar a los niños que cada año venia uno nuevo. Para esa fecha ya teníamos cinco hijos y yo estaba embarazada. Duramos unos cuantos años más en el Táchira, hasta que tomamos la decisión de mudarnos a la capital, a buscar más recursos, una vida más cómoda que para esa época se podría lograr consiguiendo cualquier tipo de empleo en Caracas.

……………………………………

Entre tanto no volví a tocarle el tema a la abuela, comencé a hacer mi trabajo de investigador como buen policía. Empecé sigilosamente a buscar pistas que unieran a nuestras familias, a la de aquella chica y la nuestra. Tenía ese instinto de que éramos familia, lo olía, lo sospeche desde que leí en su identificación su apellido y lo confirme con el relato de Maxí esa tarde. Tomo el teléfono y comienzo a marcarle a la dama, en la primera llamada no tengo éxito, pero a unos instantes recibo un mensaje al celular dónde me responde que no puede atenderme, que la llame en unas horas y que si es para invitarla a salir que me ahorre la llamada. De verdad mis intenciones no eran carnales, aunque la dama estaba buenísima, mi interés por unir a la familia tenía otro sentido: aquel que el instinto me decía que estaba cerca de encontrar a la hermana de mi abuela, de darle una alegría que llenara aún más su espíritu de amor y su corazón de alegría. En ese momento no le respondí, solo esperé que pasara el tiempo para realizarle nuevamente la llamada, esa llamada que me respondiera.

Así fue, pasó exactamente una hora, volví a tomar mi teléfono, le marco y me atiende: -Dígame- me responde sin más palabras, le saludo y de una vez le pregunto si había podido hablar con su familiar de lo que había pasado, ella incrédula me dice: – no he hablado con ellos, ¿usted cree que sea posible?, es como increíble- nuevamente y completamente seguro le digo y le suplico que inmediatamente llame a su abuela o que me facilite la forma de yo poder hablar con ellos y así terminar de confirmar y cuadrar una visita y conocerla, ella sorprendida de mi insistencia me dice que va a tratar de llamarla a ver qué le dice, yo le recalco que le diga que mi abuela se llama Maxímina Casanova y que me envíe una fotografía de ella para mostrársela.

Ya la relación con la chica era más fluida, podíamos conversar sin tantas trabas ni trucos, le vi un cierto interés en preguntar e indagar, sentí que desperté su vena investigativa o que de verdad la convencí en que éramos familia. No volví a llamarle, dejé que  hiciera el trabajo, yo continuaba ansioso y emocionado, la abuela Maxí si no me creía mucho, me decía que yo solo quería acostarme con la chica mal estacionada, por unos días fui centro de burlas en las cenas familiares. Todo lo comenzaba Maxí con su carita de ángel y sin expresión comenzaba a preguntarme-“Mire mijo ¿y la novia suya?, la que dice que es su prima, ¿ya la invito a salir?” y comenzaban mis tíos, primos, hermanos, entre otros a hacer comentarios como: si la hubieses multado, quizás ya todo estuviese listo y tu celular tendría saldo; Otros me decían que yo lo que quería era montar en la olla a la infractora y cosas por el estilo, yo solo los observaba y pensaba en cuando me llamaría y me daría noticias del caso.

Ya habían pasado unos 8 días desde nuestra última conversación  y esa tarde recibo una llamada de un número desconocido, dejo repicar varias veces hasta que contesto – ¡buenas dígame!, ¿en qué puedo servirle?, escucho a lo lejos una voz tierna y dulce –hola mijo soy Blanca la Abuela de María, ella me dio su número, me dijo que usted es el nieto de mi hermana. Yo saltaba de la emoción, – ¡usted sí es la hermana de mi abuela! Solo por su voz lo puedo sentir, habla igual que ella-, –cálmese mijo ¿usted está seguro de todo lo que dice? Yo si tenía una hermana con esas características, si quiere anote mi número de teléfono y cuando esté con ella me llama para comunicarme y cruzar información que sé que ella y yo solo manejamos y así confirmar todo. No esperé salir de mi turno, recogí todas mis cosas y salí corriendo a la casa de Maxí para que contactara a la Sra. Blanca.

Ver a la abuela es relajante, es reconfortante ver el ánimo que imprime en todas las cosas que hace, esa arepa que nos acostumbra a dar está amasada con todo el cariño del mundo, ese café que no se cansa de ofrecer esta colado con todo el amor del mundo, sé que su salud es delicada, que cada emoción repercute en su presión arterial y en todos eso valores médicos que no entiendo, igual y sabiendo todo eso tomo el teléfono y marco para la casa de la señora Blanca. Contesta y le comunico a mi abuela, ella la saluda cariñosamente hasta que veo en sus ojos un brillo distinto, por un instante las arrugas de su rostro se alisaron y volvió a ser esa niña de los campos andinos por un momento, no decía ni una palabra, solo reía y asentía, sus ojos eran un poema, yo no podía aguantar más las ganas de llorar de emoción, viéndole a cara a mi viejita llena de felicidad, de alegría, me le acerco y le doy un abrazo y en ese momento es que con una voz quebradiza le dice que necesita verla, que la invita a su casa que quiere que se quede con ella unos días, vuelve a callar y tranca el teléfono. En ese momento es que veo como de sus ojos brotan lágrimas, aun no decía nada, solo me abrazó y me dio un beso en mis labios, en mis mejillas, una y otra vez lo hacía, comenzó a decirme todo lo que Blanca le había dicho y no podía aguantar tantas lágrimas de felicidad, me pedía que la fuese a buscar, que tratara de traerla de inmediato, yo le preguntaba detalles de su conversación y no me decía nada, solo decía que sí era su hermana, increíble pero cierto,-¡me conseguiste a mi hermanita!- me decía emocionada, la casa se volvió una fiesta, un poco extraña ya que no conocíamos a Blanca ni sabíamos si verdaderamente estaría entre nosotros. La abuela insistía en ir a buscarla, comenzó a preparar la cocina y habilitó una cama al lado de la suya para que su hermana durmiera junto a ella.

Yo comencé a hacer los trámites inmediatamente para efectuar el reencuentro de las familias, coordinamos y nos encontramos en la estación del metro cercana a nuestras casas. La Sra. Blanca es muy parecida a mi abuelita, tierna, decente, hermosa, coqueta, en pocos minutos de trato ya me tomaba de la mano, me llenaba el corazón de cariño como solo las abuelas saben hacerlo. Ella no llegó sola, estaba acompañada de María, y uno de sus hijos. Más rápido que lo acostumbrado estábamos entrando a la casa, Maxí esperaba ansiosa, perfumada, con la mesa servida impecable. Su encuentro fue sin palabra alguna, solo se veían a los ojos, se abrazaban, se sentían, manejaban un lenguaje más allá que el común, la energía que rodeaba el espacio era completamente extraña, buena vibra, alegría, felicidad, cubría todo el espacio. Más adelante si comenzaron a hablar, se sentaron una al lado de la otra y ninguno sabía que teman tocaban, ¿que tanto podrían hablar?, pero pasaron casi todo el día hablando, contándose cosas y cosas.

Tía, así la llamábamos, se quedó en casa unos cuantos días, nos demostraron que la sazón venía en la sangre, ya que cocinaban parecido para no decir igual.

Poco a poco fuimos conociendo a los demás familiares, si ya éramos numerosos, contando esta rama de la familia somos un gran batallón.

Las emociones no tienen edad, llegan en los momentos menos previstos, nos dan lecciones, nos muestran que las cosas valiosas de la vida radican en la familia, en los amigos, en esos momentos que por sencillos que sean se convierten en inolvidables, nunca olvidaré a la prima que un día se estacionó mal y que yo no multé.

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Venezuela, cuna de coleccionistas: una docena de ejemplos lo avalan

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Otras coleccionistas de gran influencia son Tanya Capriles de Brillembourg y Solita Cohen de Mishaan, que cuentan con centros propios de difusión y promoción del arte latinoamericano.

Desde mediados del siglo pasado Venezuela viene siendo un país de grandes coleccionistas y filántropos del arte. Algunos pioneros fueron: Eugenio Mendoza, empresario y filántropo que llegó a convertirse en el hombre más rico de su país de su época, e impulsor, a comienzos de la década de 1950, de la aún activa Fundación Mendoza, que, a través de la Sala Mendoza, se dedica a la promoción de las artes plásticas en Venezuela; también Inocente Palacios, empresario, urbanista y promotor cultural, entre cuyo legado cabe destacar la creación de la Escuela de Arte de la Universidad Central: y, por supuesto, la familia Boulton, entre cuyos miembros ocupa un lugar destacado el polifacético Alfredo Boulton, fotógrafo, crítico de arte, empresario, historiador del arte, promotor cultural, coleccionista, curador y editor.

Pero, ¿por qué sigue siéndolo? y ¿quiénes han tomado el relevo en los últimas décadas?. Estas dos preguntas encuentran respuesta con los ejemplos de una docena de activos y destacados coleccionistas que siguen promoviendo el coleccionismo y la filantropía, tanto dentro como fuera del país. En el caso de hacerlo desde dentro del país tiene, si cabe, aún de más valor, si tenemos en cuenta la delicada situación econonómica e inestabilidad política que vive Venezuela.

De hecho, es significativo que buena parte de los coleccionistas que van a ser referidos, en este nuevo informe de ARTEINFORMADO, residen, desde hace años, fuera del país, en cada caso por circunstancias diferentes, pero, eso sí, todo ellos siguen contando con residencias y manteniendo una fuerte ligazón con él, como veremos a continuación.

Una de ellas es la caraqueña Patricia Phelps de Cisneros, sin duda, una de las más influyentes y reconocidas coleccionistas de arte latinoamericano. Cisneros, que cuenta con casas en Caracas, República Dominicana, Nueva York y Madrid, sigue impulsando, apoyando y organizando actos culturales en su país y fuera de él, a través de su Fundación Cisneros y su Colección Patricia Phelps de Cisneros, con sedes en Nueva York y Caracas. Ambas creadas junto a su marido, el influyente empresario venezolano Gustavo Cisneros, uno de los hombres más ricos de la región y del mundo.

Desde 2009, la Fundación la preside su hija menor, Adriana Cisneros de Griffin, quien, con base en Miami, ha seguido los pasos de sus padres, siendo también coleccionista y filántropa de las artes.

Uno de los próximos eventos que organizará será el “VI Seminario Fundación Cisneros, ‘Muestra, Cuenta’!“, que tendrá lugar en el Centro Cultural Chacao, de Caracas, a principios de noviembre, donde se examinarán gestores influyentes y exhibiciones contundentes en América Latina, y presentarán propuestas culturales para un futuro cercano en Venezuela.

Al igual que los Cisneros, otra venezolana de enorme influencia en la escena internacional del arte de Latinoamérica es Tanya Capriles de Brillembourg, que vive entre Caracas, Madrid y Miami. La colección de esta venezolana, que se centra en arte latinoamericano cubista, constructivista y surrealista, de artistas del siglo XX radicados en Europa, está depositada en el Museum of Fine Arts Houston (MFAH), que en 2013 le dedicó una exposición. Capriles, viuda del banquero David Brillembourg creó, en 2008, junto a Herman Leyba, IdeoBox Artspace en Miami.

Entre Miami y Bogotá reside a temporadas Solita Cohen de Mishaan, otra destacada coleccionista venezolana de arte latinoamericano y particularmente colombiano. Mishaan, casada con el empresario colombiano también amante del arte Steven Mishaan, es presidenta de la Fundación MISOL para las artes, con sede en Bogotá.

Junto a estas destacadas y mediáticas coleccionistas, también hay que referir otros nombres menos públicos como son: el financiero, afincado en Nueva York, Carlos E. Padula Suárez; los también financieros, radicados en Caracas, Ignacio Oberto y su hijo Luis Alfonso Oberto; el ex-presidente de la Cámara de Caracas Fernando Eseverri; el empresario textil español, con residencia en Venezuela desde hace años, Jimmy Belilty; o los algo más jóvenes coleccionistas y también con base en Venezuela, Anilú Gómez y Luis Felipe Farias.

Algunos de estos reconocidos coleccionistas son, además, miembros de los comités internacionales de prestigiosas instituciones de arte alrededor del mundo. Entre ellos, ocupa un lugar destacado Patricia Phelps de Cisneros, que, sin duda alguna, es, de largo, la que más puestos ocupa.

Así, Cisneros es, entre otros cargos, miembro del Patronato de la Fundación Museo Reina Sofía en Madrid, presidenta del Consejo Internacional de la Americas Society (Nueva York), miembro del nuevo Comité Asesor Internacional de la Fundação Bienal de São Paulo, miembro de la Junta Directiva del MoMA de Nueva York y fundadora y presidenta del Fondo de Adquisiciones de Arte Latinoamericano y del Caribe también del MoMA. A este último comité también pertenecen Ignacio Oberto y Luis Alfonso Oberto, Carlos E. Padula Suárez y Solita Mishaan.

Y es que estos influyentes coleccionistas venezolanos no solo comparten comité. Phelps de Cisneros y los Oberto han contado con el asesoramiento del reconocido arquitecto venezolano Rafael Pereira, quien también ha asesorado a Eseverri o el fallecido Inocente Palacios, entre otros importantes coleccionistas del país.

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Fallece la diseñadora de color de Studio Ghibli, Michiyo Yasuda

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Michiyo Yasuda, la diseñadora de color de Studio Ghibli quien le ha dado color a algunas de las mejores películas del estudio japonés de animación, fallecía el pasado miércoles a los 77 años.

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michiyo-yasuda-2Michiyo Yasuda (1939 – 2016), original de Nakano (Tokio), inició su trayectoria profesional dentro del mundo de la animación a finales de los años 50. Trabajó para estudios de animación como A Production, Nippon Animation, Topcraft, o Toei Doga, donde conoció a los que años más tarde fundaron Studio Ghibli: Isao Takahata y Hayao Miyazaki.

Yasuda trabajó durante cinco décadas en la industria de la animación. Directores como Isao Takahata, Hayao Miyazaki o Mamoru Oshii contaron con su trabajo en la creación de cortometrajes y largometrajes de animación, vídeos promocionales, series de dibujos animados, documentales e incluso en piezas de publicidad.

Como diseñadora de color, Michiyo Yasuda elegía el cromatismo de todos los elementos y personajes de una obra de animación. Su principal herramienta para contar una historia era el color. Dependiendo de la estrategia que empleara, la pieza audiovisual, sus escenas y personajes adquirían una personalidad u otra, transmitían emociones, estados de ánimo, etc. Es por ello, que Yasuda acabó aportando una de las características más representativas y distintivas de las piezas del Studio Ghibli.

«El color tiene significado y hace que sea más fácil entender la película. Los colores y las imágenes pueden mejorar la película sea cual sea la situación en pantalla», declaraba en una entrevista en Los Angeles Times.

Entre su filmografía se encuentran películas como Hols: Prince of the Sun (1968), Panda! Go, Panda! (1972),m Castle in the Sky (1986), My Neighbor Totoro (1988), Pom Poko (1994), Princess Mononoke (1997), Ponyo (2008), The Wind Rises (2013), Kujiratori (2001), Mizugumo Monmon (2006), Pandane to tamago hime (2010), entre otras.

→ Michiyo_Yasuda

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Vasco Szinetar, el fotógrafo a la caza de selfies con grandes figuras de la cultura

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Creadores frente al espejo’ es el resultado del trabajo obsesivo de Vasco Szinetar, quien a lo largo de 40 años ha ido coleccionando autorretratos junto a grandes personalidades del mundo de la cultura. Ahora expone su trabajo en el espacio Caña de Azúcar en Barcelona hasta el 11 de diciembre de 2016.

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Fernando Arrabal con Vasco Szinetar

Vasco Szinetar es un fotógrafo y escritor venezolano que, mucho antes de que la moda de los ‘selfies’ fuera tendencia, ya posaba frente al espejo junto a grandes artistas, pensadores, filósofos, intelectuales, poetas, novelistas, músicos, políticos, etc.

De padre rumano y madre venezolana, Vasco Szinetar nació en Caracas (Venezuela) en 1948. Entre 1970 y 1972, estudió en la Escuela de Cine de León Schiller en Lodz (Polonia) y entre 1973 y 1976 en la London internacional Film School.

En 1985 fundó la galería de fotografía El Daguerrotipo y la coordinó hasta 1988. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas. Ha trabajado en diversas publicaciones –como fotógrafo, ‘Retratos’ (Caracas: Monte Ávila, 1987), y como poeta diversos poemarios–. También ha colaborado en libros como ‘La hoja que no había caído en su otoño’, de Julio Garmendia (Caracas: Las Voces de Orfeo, 1979); ‘Así es Caracas’, de Soledad Mendoza (Caracas: Ateneo de Caracas, 1980); ‘Cuarenta años después’ (Caracas: Grupo Credival, 1983), y ‘Jacobo Borges’, de Dora Ashton (Caracas: Armitano, 1986).

En sus retratos, los personajes que Szinetar fotografía son artistas, al igual que en la obra de fotógrafos como Henri Cartier Bresson o Arthur Penn. Szinetar siempre ha usado su cámara de 35 mm para este tipo de fotografías, yendo más allá del registro habitual del reportaje y transformándolo en una auténtica investigación sobre el soporte y sobre la psicología del personaje fotografiado. Según Rafael Arráiz Lucca, la línea periodística de Szinetar «siempre rebasa el plano ‘reporteril’».

Sus fotografías han aparecido en publicaciones periódicas como las revistas Zona Franca, Calicanto e Imagen y en periódicos como El Nacional y su suplemento cultural, Papel Literario, sobre todo como retratista de personajes como Émile M. Cioran (colección GAN), John Ashbery (colección GAN) o Tadeus Kantor.

Ahora, su colección de autorretratos puede verse en el espacio Caña de Azúcar en Barcelona, bajo el nombre ‘Creadores frente al espejo’. Se trata de una selección de 14 imágenes en las que aparece el fotógrafo junto a grandes exponentes de la cultura hispana, posando frente a un espejo para quedar registrados en situaciones un tanto curiosas. Cristina Fernández Cubas, David Trueba, Enrique Vila-Matas, Oriol Bohigas, Javier Cercas, Joan Manuel Serrat, Manuel Vázquez Montalbán, Nuria Amat, Eugenio Montejo, Juan Villoro, Mario Vargas Llosa, Roberto Bolaño, Santiago Roncagliolo y Jorge Herralde son lo autores retratados.

«La propuesta del retrato ante el espejo conduce a una reflexión sobre el poder. Quienes se enfrentan a esta experiencia conmigo son personas que han logrado un espacio en la sociedad, de modo que de lo que se trata es de colocarlas en una situación de precariedad y de humor, la cual los hace más humanos», señala Szinetar.

‘Creadores frente al espejo’
Fecha: Del 21 de septiembre al 11 de diciembre de 2016
Lugar: Caña de Azúcar, C/ Muntaner 69, 08011 Barcelona
Entrada gratuita

→ vereda.ula.ve

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Emil Cioran con Vasco Szinetar

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Gabriel García Márquez con Vasco Szinetar

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Gabriel García Márquez con Vasco Szinetar

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Gilles Lipovetski con Vasco Szinetar

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Beatriz González con Vasco Szinetar

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Jorge Luis Borges con Vasco Szinetar

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Salman Rushdie con Vasco Szinetar

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Los artistas visionarios que dibujaron la carrera espacial

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Norman Rockwell tuvo que pintar la llegada del hombre a la Luna antes de que se produjera. Para que fuera lo más realista posible, la NASA le envió los planos de la nave encargada de viajar al satélite, pero debido al secretismo de la misión, se resistía a mandarle un traje espacial. Tras mucho insistir, el artista logró hacerse con la vestimenta del astronauta y, en 1967, dibujó un póster muy representativo de lo que ocurriría dos años después: la huella de Neil Armstrong en la superficie lunar.

Rockwell, célebre artista norteamericano ya fallecido, no es el único cerebro creativo que ha retratado la relación de la humanidad con los astros. Centenares de ilustradores han inmortalizado la carrera espacial y han reflejado los sueños de su generación, usando sus pinceles para crear escenas que no existían y que, en muchos casos, todavía no se han cumplido, como la llegada del hombre a Marte.

«El espacio es una enorme frontera sin límites donde la verdad es a menudo más extraña que la ficción», sentencia Pat Rawlings. Este ilustrador ha dibujado más de 1.000 lienzos para toda una serie de prestigiosas instituciones, como la NASA, la Enciclopedia Británica o Scientific American.

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Su obra refleja más de un cuarto de siglo de planes de exploración espacial. Desde misiones planetarias robóticas a la exploración humana de otros mundos, especialmente el planeta rojo. Con 10 años, comenzó a leer cada libro de ciencia ficción que pasaba por sus manos, devoró las obras de Tom Swift, una serie de ficción juvenil, y de Robert Heinlein, uno de los grandes maestros del género. «Después de eso ya era un adicto de la exploración espacial».

Aunque la ciencia ficción suene mucho a fantasía y tramas inventadas, detrás de ella hay un profundo trabajo de investigación. Rawlings debe pintar acontecimientos lejanos o hasta inexistentes pero de una forma muy realista, con detalles que los conviertan en escenarios posibles.

¿Cómo es el módulo que llegará a Marte? ¿Y la expresión de un astronauta cuando mira a la Tierra desde la Luna? ¿Cómo vestirán los futuros habitantes del planeta rojo? Todo cuenta, cada minucia del diseño de la nave, los pormenores de una misión y las características del planeta, desde su geología hasta el clima o la gravedad de un cuerpo.

En este apasionante aprendizaje, Rawlings ha conocido a los mejores maestros. Ha trabajado directamente para dos astronautas, Donald Williams y Frank Culbertson, y ha recreado el espacio a través de conversaciones con seis de los hombres que han caminado sobre la Luna. Con quien más aprendió sobre los sistemas espaciales fue con Hubert Davis, el ingeniero principal de la Misión Apolo 11.

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Lunar base concept, por Pat Rawlings en 1955

Una vez que cuenta con todos los detalles, libera su mente de las leyes terrestres y deja volar su imaginación. «Trato de sumergirme en estos datos y me veo a mí mismo caminando en el planeta. A veces, cuando estoy haciendo esto y alguien entra en mi estudio, casi salto de la silla de la sorpresa porque ¡he estado en otro planeta!».

Convencer a través de los sueños

Rockwell no fue el único pintor de la NASA, ni tampoco la agencia aeroespacial fue la única en contratar a ilustradores para que plasmasen los secretos del universo. La propaganda jugó un papel esencial en la carrera espacial. Mientras que Estados Unidos contaba con el programa NASA Arts para promocionar sus campañas extraterrestres, la Unión Soviética hacía lo propio. En plena Guerra Fría, los artistas rusos dibujaban estampas de sus misiones y logros con el estilo del realismo socialista.

Cada país utilizó a sus artistas para mostrar las ambiciones de la nación. Cuatro años antes de la misión de Yuri Gagarin, el cosmonauta soviético que se convertiría en la primera persona en salir al espacio, la película Road to the Stars ya mostraba algunos de los anhelos rusos, como crear una colonia lunar o, más factible, lograr salir de la atmósfera terrestre.

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Más allá de los ambiciones nacionales, hubo una empresa que también unió a pintores e ilustradores con mentes científicas para vislumbrar el futuro de los viajes espaciales. Walt Disney apostó fuerte por la temática con Man in Space, el primero de tres episodios de la serie Tomorrow Land, dirigida por el animador Ward Kimball. Se emitió en 1955, adelantándose a los grandes acontecimientos espaciales que llegarían tiempo después.

Con un tono desenfadado, la miniserie recorre la historia de los cohetes y los satélites y recrea situaciones como un viaje alrededor de la Luna. El guion juega con los problemas a los que se enfrentan los astronautas, como la velocidad, la ingravidez o la radiación. Una combinación entre la magia del cine y la ciencia que colocó frente a la televisión a más de 40 millones de espectadores solo en el primer episodio.

Fotograma

Fotograma de Trip Around The Moon, 1955, de Walt Disney

Los sueños de aquella época permanecen vigentes, aunque la técnica cambia. Rawlings comenzó a crear arte espacial en los ochenta, cuando trabajaba con pinceles y un aerógrafo. A medida que pasó el tiempo, comenzó a usar el ordenador para visualizar escenas con reconstrucciones en 3D y conseguir una perspectiva y una escala perfectas.

A partir de 1955, la tecnología gráfica avanzó lo suficiente y combinó las dos técnicas. «Mi objetivo era que mis clientes no notasen una diferencia en la obra. A menudo no podían decir si había pintado la obra o la había creado en el ordenador», explica.

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Recreación artística de UX Tauri A

Aunque la Guerra Fría terminó y la fotografía es la nueva protagonista del relato de los acontecimientos espaciales, las recreaciones artísticas siguen trasladando a los ciudadanos visiones que todavía no han sido capturadas por lente alguna. En 2007, el artista de la NASA dibujaba un cinturón de polvo en el sistema estelar UX Tauri, nada menos que a 450 años luz de distancia.

La enormidad del universo resulta inalcanzable, y hay vistas que solo existen en las teorías que elaboran los científicos. El punto central de todas estas obras es la colaboración entre artistas, investigadores e ingenieros, que juntos nos hacen creer en fenómenos extraños y misiones casi inalcanzables.

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Las imágenes son propiedad de NASA on The CommonsNorman Rockwell/NASAPat Rawlings/NASAWikimedia Commons y NASA

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La mejor vocalista británica que (probablemente) no conoces

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No, no es Adele. Ni se le parece. Se llama ESKA y su música ofrece un viaje por la compleja identidad cultural británica. Para describir lo que ella hace, la crítica emplea los términos «folk experimental»

El nombre y la música de Eska Mtungwazi les suenan a muy pocos en España. Son un selecto grupo los españoles que conocen a esta cantante y multi-instrumentista británica nacida en Zimbabue. Entre ellos se encuentran los afortunados que pudieron verla actuar a finales de septiembre en el festival Barcelona Acció Musical (BAM). Esa era una de las últimas fechas internacionales que tenía reservada en nuestro país. Hace años seguro que alguno la vería poniendo la voz en las composiciones de la orquesta de jazz de Matthew Herbert, un artista que ha sido decisivo en la carrera de Mtungwazi. Pero entonces —a excepción de los insiders — pocos se interesaron por lo que esta cantante tenía que decir.

A su paso por Berlín, Mtungwazi explicó a Yorokobu mucho de lo que tiene que aclarar. Su caso es de todo menos habitual. ¿Por qué una licenciada en Matemáticas por la prestigiosa London School of Economics resulta ser, para muchos de sus pares, «la mejor vocalista del Reino Unido» ? Con esos términos ha definido a Mtungwazi su compatriota Laura Mvula, otra reputada vocalista y compositora. Otra pregunta sobre Mtungwazi y sus 44 años: ¿Por qué se ha hecho esperar tanto su primer disco? ESKA, nombre artístico de esta mujer llegada a Londres desde Zimbabue siendo bebé y también título de su primer álbum, aún está presentando ese trabajo de debut. En 2015, fue nominado a los premios Mercury, galardón que reconoce el mejor disco del año en el Reino Unido.

No resulta sencillo dar explicaciones sobre ESKA. Las complejidades que esconden el talento de esta artista son tan difíciles de entender como fácil de escuchar puede resultar su música. A Mtungwazi la comparan con Adele, cantante y compositora de éxito planetario. También con otras estrellas de pegada global, como la islandesa Björk, la estadounidense Faith Evans o la canadiense Joni Mitchell. A todas ellas recuerda la música de ESKA.

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«Tuve que enfrentarme a mi propia identidad, tuve que preguntarme: ¿quién soy? ¿Cuál es mi lugar en el mundo? ¿Voy a hacer un álbum típico de música afroamericana, porque eso es lo que se espera de mí por ser negra? ¿O voy a hacer un disco sobre lo que representa ser una persona salida de una familia de inmigrantes, habiendo crecido en un Londres multicultural, aprendiendo música clásica, jazz y góspel?», cuenta ESKA. «Empecé a decirme, soy inglesa, sí, pero espera, algo más, también africana, pero no sólo africana; así me di cuenta de las complejidades de mi identidad cultural», añade.

Musicalmente, esas preguntas le llevaron a «poner las manos sobre el piano y tocar primero Elgart, Schumann, Mozart o Heiden, y luego Duke Ellington, canciones de folk o típicas de la campiña inglesa, mucho desorden», rememora. Así de complejo es el sustrato del que ha surgido esta vocalista y compositora.

Antes de lanzar su proyecto en solitario, ESKA había participado en cerca de 150 producciones, junto a grandes nombres como Bobby McFerrin, Nitin Sawhney, Grace Jones o Cinematic Orchestra. Cabe imaginar que no serían fáciles de satisfacer las exigencias de esas casi instituciones de la música. Pero las que ESKA se ha puesto y que ha tenido que superar son, sobre todo, las que explican la demora de su álbum de debut. «Hubo miedo y el sentimiento de que yo no tenía voz, no creía que valía, nunca pensé que alguien estuviera interesado en lo que yo tenía que decir, pese a que tenía que decirlo», aclara.

Colaborar con Matthew Herbert ha sido una de las claves de su carrera. ESKA puso la voz en aquel There’s Me and There’s You (Accidental Records & Studio !K7, 2008) de la orquesta de jazz del genio británico de la electrónica. «Él me animó y me pidió que escribiera música para explicar qué se siente siendo ESKA», dice, aludiendo al ecléctico músico británico, identificado con otra media docena de nombres de la escena electrónica (Herbert, Docktor Rockit, Radio Boy, Mr. Vertigo, Transformer y Wishmountain). No es casualidad que Herbert haya producido cinco de los diez temas de ESKA, el disco. Tampoco lo es que a la música de ese álbum se le haya puesto la etiqueta de folk experimental.

Según la artista, para las cuestiones de identidad, que para ella tanto tienen que ver con la música, «no hay una sola respuesta, y eso está bien», apunta. Para su segundo disco —un álbum que ya está preparando—, las reflexiones identitarias continúan llevando la voz cantante. «Es prácticamente imposible que estas ideas no estén ahí», señala al respecto.

«En el Reino Unido nadie me va a preguntar de dónde soy y, si lo hacen, me dicen de dónde en el Reino Unido, a lo que respondo, ‘de Londres’. Pero fuera del Reino Unido, me lo preguntan, digo ‘de Londres’, y vuelven a preguntar. Me doy cuenta entonces de que quieren saber dónde nací [Zimbabue, ndlr.], pero allí viví dos días», dice entre risas. «Luego, si voy a Zimbabue, me dicen que soy blanca, porque todo sobre mí se explica, políticamente, a través del hombre blanco y sus privilegios», abunda.

Su formación en la London School of Economics constituye buena parte de esos privilegios. Pero ella le atribuye a sus estudios en matemáticas poca relevancia. «La educación superior no tiene por qué ser ilustradora, esa educación sirve si ayuda a la persona a seguir interesada en aprender. Yo estoy agradecida a mis padres por haberme facilitado esa educación superior, eso lo llevo conmigo, pero, claro, ¿hasta qué punto tiene esto que ver con lo que estoy haciendo ahora?», se pregunta esta hija de inmigrantes jubilados en la capital británica. Su padre fue maestro y su madre enfermera.

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En paralelo, ESKA se formó artísticamente estudiando violín y violonchelo. También se hizo con una beca para estudiar canto para la ópera. Con ese bagaje, ESKA no es de esos vocalistas que sólo llegan al estudio para cantar el disco y marcharse. En más, tiene su propia compañía independiente de música, Earthling Recordings. La libertad que ha tenido para firmar un álbum de música folk y dar un paso al frente en una industria en la que dominan estándares, según los cuales a una artista con orígenes africanos ese género no le va, puede verse coartada por otras contingencias geopolíticas.

De eso da cuenta una conversación con ella en tiempos de posbrexit. «Trabajé mucho en el último año y medio distribuyendo mi trabajo en Europa, siempre en comunicación con promotores internacionales, pero esto probablemente no será tan fácil de hacer en un par de años», afirma, aludiendo al escenario de incertidumbre que resulta del triunfo del leave en el referéndum sobre la permanencia del Reino Unido en la Unión Europea.

«En la comunidad de artistas británicos ha habido un cambio, hay tristeza, no tenemos ni idea del impacto que va a tener todo esto sobre el arte en el Reino Unido», comenta. «Pero una cosa es segura, el arte dependía aquí de la Unión Europea, galerías y museos incluidos. No está claro que el dinero que iba a la UE termine repercutiendo en la comunidad de artistas», añade.

Sin embargo, puede que no haya mal que por bien no venga. ESKA sabe que el discurso del miedo y antiinmigración también triunfaron en aquel referéndum. Pero del divorcio de su país con la UE puede resultar una situación en la que, probablemente, ir a tocar a Europa sea más difícil, por las exigencias de «visados, papeleos burocráticos, los impuestos», señala la artista. «Tal vez esto nos fuerce a mirar a nuestro país», añade. De ser así, habrá más británicos expuestos a creaciones como la suyas.

«Mi música refleja a los inmigrantes, a los outsiders, pero desde el interior del Reino Unido», plantea ESKA. «Puede que mi voz sirva para educar sobre el nuevo Reino Unido que está emergiendo, porque ofrece una perspectiva diferente de lo que es esta nación», agrega.

Londres, la metrópolis británica, siempre ha sido un crisol para la cultura. Desde allí, infinidad de artistas han preferido moverse por una Europa que ofrecía mayores márgenes de rentabilidad que hacerlo por el Reino Unido. De terminar por producirse, el brexit abriría, según expresa ESKA sin falso optimismo, una oportunidad para el «reflorecimiento de la cultura en el país». Porque «la gente que quiera darse a conocer tal vez tenga que concentrarse en el Reino Unido y abandonar la idea de salir de gira por Europa», prevé. Para entonces, es más probable que ESKA siga dándole vueltas a su intríngulis identitario, creando canciones para la banda sonora del multicultural presente británico.

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