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Milton Glaser mantiene su corazón en Nueva York

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Milton Glaser aún ama a Nueva York, pero en estos días, dijo, que a veces le preocupa. Glaser, de 87 años, creó una de las más potentes diseños del siglo pasado: I ♥ NY, un símbolo de guerra para Nueva York cuando la ciudad y el estado estaban en crisis en 1977. En una tarde reciente, que desconcertado por lo que el diseño crearía para la Nueva York de 2016.

Esta ciudad, dijo, está en una crisis diferente, provocada por su propio éxito.

“Eso es un problema enorme”, dijo, sentado en la sala de conferencias de color canario de su estudio de diseño en la calle East 32ª, donde ha trabajado desde 1965. chillidos infantiles desde el patio de al lado onduló a través de la oficina. Dispersos por toda la habitación eran algunos de sus últimos diseños, incluyendo botellas de Trump V odka y un cartel que proclama, “Votar es existir.”

 “No se puede tener esto mucho el desarrollo, y la expulsión consiguiente de cientos de miles de personas que no tienen un lugar para vivir”, dijo Glaser. “Hay un poco de error de juicio fundamental sobre el equilibrio entre la gente común y las personas que hacen enormes cantidades de dinero. La idea de apartamentos por $ 50 millones. ¿Qué? ¿En base a qué?”

Si tuviera que diseñar un sucesor para el logotipo de I ♥ NY hoy, dijo, “Lo que se quiere es más de un sentido de la justicia en la ciudad, sea lo que sea.””No puedo ser simplistas con respecto a esto”, continuó, “porque el problema es demasiado enorme y difícil de tratar.”

Nueva York es, como es sabido, una ciudad de la transitoriedad, con los recién llegados que llegan constantemente, ya sea dejando huella o procedentes de un cosechador, a continuación, dejando de puestos de trabajo en el extranjero, o de vuelta a casa, o el sol de California. Las mareas humanas son tan regulares como los ciclos de auge y caída y auge.

Pero también están los leones que no dejaron, que ponen su huella en la ciudad maltratadas de la década de 1970 y siguen formando parte de la metrópolis que surgió de ella. Nueva York está llena de ellos: Felix G. Rohatyn y Gloria Steinem, Charles B. Rangel y Robert M. Morgenthau, Diane von Furstenberg y Grandmaster Flash, Harry Belafonte y Larry Kramer. Cuando otros se fueron, se mantuvieron, y guardaron encendida su historia de amor a los 87 años, Milton Glaser con su Nueva York tiene una fábula propia de la ciudad, a partir de una era de la división económica y étnica, la década de 1930 en el sur del Bronx, y llegando ahora en otro, con diferentes líneas de falla y promesas. En el camino, su logo I ♥ NY, primero dibujado en un pedazo de papel en la parte posterior del taxi, ha declarado que el amor en un lenguaje casi universal, entendido en todos los rincones del planeta.

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Glaser creó I ♥ NY, en 1977, una época en que la ciudad y el estado estaban en crisis. CréditoMilton Glaser

“Es anormal”, dijo Glaser. “Además, es algo que me gustaría que la gente se olvide, porque lo he hecho otras cosas.”

 Durante una visita a su estudio, donde la puerta principal lleva el lema “El arte es el trabajo,” el Sr. Glaser sonrió cuando se le preguntó por qué seguía trabajando. Arriba, él y Clay Felker comenzó la revista New York en 1968; en otro piso, que una vez tuvo los trabajadores de 30 y pico de diseño de pantallas para los supermercados Grand Union.
“¿De verdad quieres una respuesta?”, Dijo. “Es la mayor fuente de placer en mi vida. Estoy muy emocionado por hacer algo que no existía antes. No hay nada, nada ni siquiera cerca. Nunca voy al teatro, no voy a los conciertos, ya no voy al cine. No hago otra cosa que trabajo. Es como magia.
“También creo que hay una oportunidad de hacer el bien. No en un sentido moralista, sino para sentir que eres parte de algo más grande que uno mismo. Pero eso no es realmente por qué lo hago. Lo hago porque es tan agradable para mí. Derivo esta profunda, profunda satisfacción que ninguna otra cosa, incluyendo el sexo, alguna vez me ha dado. Es la razón por la que estoy aquí, es para hacer el trabajo. Y estoy tan feliz de que todavía puedo hacerlo bien “.
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Algunos de los logotipos diseñados por Milton Glaser largo de las décadas.
Glaser nació en 1929, hijo de inmigrantes judíos de Hungría, en una casa de tendencia comunista apartamento en el Bronx llama la Colonia Cooperativa de Trabajadores Unidos, conocido por todos a su alrededor como las Cooperativas (rima con aros). Flanqueado por las comunidades por igual insulares de italo-americanos y americanos de origen irlandés, las Cooperativas fue un semillero de activismo de izquierdas, donde los ancianos empujaron la educación y la política argumentaron en yiddish.
Antes Glaser amaba Nueva York, que amaba las cooperativas. “Fue como si el cielo”, dijo. “Usted tenía este enorme compromiso con la idea de la posibilidad humana, que usted no tiene que aceptar simplemente las condiciones existentes, puede cambiarse a sí mismo y cambiar la sociedad. Fue muy conciencia social en todos los sentidos, y se convirtieron en parte del elemento progresivo en la vida americana, y mucho “.

El mundo de las Cooperativas – judía, progresiva, esfuerzo – encarna lo que vino a ver como el tejido esencial de Nueva York. Cuando el senador Ted Cruz de Texas, habló sobre los “valores de Nueva York”, dijo Glaser, fue básicamente hablando de las cooperativas. “Sin ser demasiado auto-reveladora, el carácter de Nueva York es tan intrínsecamente judío”, dijo, citando cifras que muestran que en la década de 1920, uno de cada cuatro neoyorquinos era judía. (En estos días se está más cerca de uno de cada ocho.) “Esa actitud hacia la vida, hacia la comida, hacia la música, hacia la búsqueda intelectual – todo eso puede ser un elemento central de la vida en la ciudad a causa de un elemento central de Judios que tenía una oportunidad para cambiar el sistema de valores “.

Fue en los gallineros que el Sr. Glaser supo que le gustaba dibujar, y que hacer arte tuvo una ganancia práctica: otros chicos se reunieron en torno a él por sus representaciones de la forma femenina desnuda. Se aventuró al sur de la Escuela Superior de Arte y Diseño y luego a la Cooper Union , en última instancia, haciendo equipo con sus compañeros de clase Seymour Chwast y Edward Sorel para formar Push Pin Estudios . Allí se salpicó sus vivos colores, diseños exuberante referenciales a través de carteles, portadas de discos, chaquetas y revistas de libros; a lo largo del camino, él se juntó con otro graduado de Cooper Union, Shirley Girton , un fotógrafo y, finalmente, su colaborador en dos libros para niños . Se casaron en 1957.

Glaser se acaba de empezar.

“Realmente comparo Pasador de fijación de los Beatles,” dijo Steven Heller , copresidente del diseño en la Escuela de Artes Visuales y el ex director de arte en The New York Times. “Eran amigos de la escuela. Ellos se rebelaron contra el Norman Rockwell estilo de ilustración, con el trabajo que tenía un lado conceptual, en el que no tenía por qué ser representativo o realista. Podría ser ingenioso. Milton siempre fue un dibujante excelente, pero se tomó el realismo y la redujo, y comenzó a hacer el trabajo más simbólico, con una calidad de Magritte a ella. En cuanto a ella, todo estaba en los detalles, excepto que no fue detallado “.

Los Glasers encontrado un apartamento en St. Marks Place cuando el barrio era todavía un parque infantil asequible para los artistas y los escritores y las almas perdidas. Glaser encantó este de Nueva York. “Oh, fue muy bien”, dijo. “Esa fue la legendaria Plaza de San Marcos, con Auden caminar en zapatillas y Rauschenberg y Jasper Johns. No había nadie que no estaba en el Lower East Side en aquellos días. Yo tenía un amigo que tenía un apartamento por $ 7 por mes. Por supuesto, él no tenía calefacción. Pero todo el mundo estaba allí. Era tan activo y tan viva y tan transgresor. Todo el mundo sentía que eran una parte de algo especial, y que eran “.

Parte de esa energía caleidoscópica lo hicieron en su 1967 del cartelincluidos con el álbum “Greatest Hits” de Bob Dylan, que muestra una silueta de Dylan con plumas brillantes de pelo ondulando arriba. El diseño, que el Sr. Glaser creó en su casa en Woodstock, era erudito y lúdico, un riff psicodélicos en un famoso autorretrato de Marcel Duchamp, infundido con la influencia de la pintura persa. Se hizo el Sr. Glaser una voz líder en el mundo del diseño.

 “Siempre fue inteligente y podía articular sus pensamientos acerca del diseño,” dijo Walter Bernard, de 78 años, socio de diseño de toda la vida del Sr. Glaser, que también lo describe como un mentor. “Una gran cantidad de diseñadores son buenos pero no puede explicarlo. Milton pensado en ello y se puede hablar de ello. “A finales de 1960, dijo el Sr. Bernard,” Sus diseños estaban por todas partes “.

En 1968, Milton Glaser, a la izquierda, y Clay Felker en los inicios de la revista New York, volver a montar los elementos de un inserto semanal en The New York Herald Tribune. CréditoCosmos Andrew Sarchiapone, a través de Archivos de Arte Americano, Smithsonian Institution

“Había miles de libros de bolsillo con sus ilustraciones en las portadas”, dijo Bernard.”Cuando el cartel Dylan comenzó a ganar premios, se convirtió en un icono.”

 Al año siguiente, cuando el Sr. Glaser y el Sr. Felker comenzaron diseñar la revista New York pora volver a montar los elementos de un inserto semanal en el recién doblado New York Herald Tribune, fue una respuesta a otra iteración de la ciudad de Nueva York. Ésta fue sacudida por la nueva cultura juvenil y se volcó en enfrentamientos entre la ciudad y sus sindicatos, entre ellos en una amarga  una huelga de trabajadores de limpieza 1968 que dejó las calles derramadas con 50.000 toneladas de basura sin recoger. Glaser pronto contrató a Bernard para ser el director de arte.

“La ciudad estaba muy oscura”, dijo Glaser. “Gran parte de la delincuencia. Los problemas económicos, seguro. Y había una enorme cantidad de personas que salen de la ciudad. Todos pensaban en el sentido de que la vida no iba a mejorar aquí “.

La ciudad en esos años sería irreconocible para cualquiera que haya pasado aquí en la última década, excepto a través de la nostalgia peculiar de obras como la novela de Garth Riesgo Hallberg “Ciudad en llamas” o de corta duración de la HBO ” Vinilo .” En lugar de idealizar de la época lado positivo, estas obras del lujo en el caos: el crimen rampante, los mercados de drogas al aire libre, campamentos sin hogar, el colapso del sistema de escuelas, edificios abandonados o en llamas.

 “Yo digo a la gente que, y no puedo creer esto”, dijo Glaser. “Nosotros estaríamos sentados en la calle 67 en la cena y yo diría, vamos a ir a dar un paseo, y Shirley diríamos: ‘me temo. Ha habido demasiados asaltos en el barrio ‘. La gente estaba literalmente miedo de caminar por las calles. Bueno, no se puede conseguir mucho peor que la de la ciudad “.
Como Nueva York en espiral hacia la bancarrota, The Daily News produjo uno de los grandes éxitos de la época, en la forma de un titular de primera página de octubre de 1975, el “Ford a la ciudad:. Drop Dead” Menos de un año más tarde, a los servicios de Pascua en el Iglesia Catedral de San Juan el Divino, Paul Moore Jr. entregó otra. “Mire sobre su ciudad y lloran,” Bishop Moore dijo a los congregados, “para su ciudad se está muriendo.” (Un tercer supuesto golpe, de Howard Cosell 1977 sin expresión en el aire, “Damas y caballeros, el Bronx se está quemando,” ha demostrado ser un espejismo: Cosell nunca dijo las palabras).

Glaser esta encantado de este Nueva York. Nunca consideró dejarlo. “Nunca se separo de la ciudad”, dijo. “Creo que soy la ciudad. Soy lo que la ciudad es. Esta es mi ciudad, mi vida, mi visión “.

El concepto de “I Love New York” fue una reacción a esta sensación de decadencia. Muchos han afirmado crédito para la línea. Si Nueva York era una ruina digna de ser amada  una ciudad en llamas, un estado en una depresión, que sólo lo hizo el tipo de lugar un cierto tipo de New Yorker podía presumir de amor. La oficina de turismo del estado lanzó una campaña publicitaria de $ 4 millones, la puesta en marcha de un escritor del cascabeleo llamado Steve Karmen, un niño nacido en el Bronx de inmigrantes judíos rusos, para hacer que el lema cantara. El logotipo de vino después.

Para el Sr. Glaser, la consigna era atractiva porque era menos un argumento de venta que un juramento, una declaración de fe. No trató de persuadir a la gente a comprar o hacer cualquier cosa. Pasó dos semanas dibujar un logotipo con las palabras “I Love New York” dentro de dos pastillas, y lo presentó al estado para su aprobación. Luego, en un viaje en taxi a su estudio un día, él tenía otra idea. El uso de un lápiz de color rojo sobre un trozo de papel, esbozó los cuatro caracteres de la imagen que se ve en todo el mundo.

“Es un poco difícil”, dijo. ” ‘I’ es una palabra. ♥ es un símbolo para la emoción. ‘Nueva York’ son las iniciales de un lugar. Así tres actos de transformación están llevando a cabo. Usted tiene que usar su cerebro un poco para traducirlo, a pesar de que una vez que lo haces, es obvio, y no hay uno que no puede entenderlo. Sin embargo, la actividad del cerebro haciendo que es parcialmente responsable de su durabilidad “.

Otro ejemplo del trabajo del Sr. Glaser. Crédito: Milton Glaser

 El desecho de papel original se encuentra ahora en el Museo de Arte Moderno. El logotipo, por la que recibió una cuota de $ 2,000 – menos que el costo de producción de las maquetas, dijo – ahora genera más de $ 1 millón al año para el estado de los derechos de licencia, y mantiene un grupo de abogados del estado ocupado escribiendo cesación cartas y desistir de su uso sin licencia.

Para el Sr. Glaser, que era el cumplimiento de todas esas lecciones de los gallineros, la creencia de que el diseño podría tener impacto social, y que el impacto podría mejorar las condiciones prevalecientes. “Yo sabía que lo que se está comunicando era algo que mantuvo a la gente, que estableció un camino para que se comuniquen entre sí, lo que no está fácilmente disponible en la mayoría de contextos, social,” dijo. Volvió a visitar el logo después de los ataques terroristas de 2001, con un corazón magullado y una declaración de que el orador amado NY “más que nunca.”

 Los toque del Sr. Glaser no siempre ha sido tan dorado. Cuando trató de recuperar la magia para el Estado de Rhode Island este año con el lema “más cálido y más frío”, las personas se quejaron de que el diseño era trivial y extralimitación, en última instancia, obligando director de marketing del estado a dimitir.

“Hubo una explosión de la negatividad en el Internet”, dijo Glaser, todavía maravillado por la profundidad del rencor. “No vas a creer todo lo que me dieron en el Internet: ‘Devuelve el dinero hijo de puta,’ ‘Tienes $ 400,000 para ese pedazo de basura’? Pero fue muy instructivo. Nunca había tenido esa experiencia antes, donde la respuesta fue tan poderosamente negativo “.Para todos los cambios en su vida, y de la ciudad, el Sr. Glaser comienza cada mañana como lo ha hecho durante casi 60 años, por tener el desayuno con su esposa. “No sé lo que haría sin él”, dijo.

Una ventaja de haber sido a través de los ciclos de auge y caída antes, dijo, era saber que el auge actual no va a durar para siempre, incluso si la eventual ajuste de cuentas puede ser doloroso. “Todo es un período de transición”, dijo. “No hay tal cosa como un período nontransitional.Sin duda me pregunto qué es lo siguiente. Porque una cosa es que sabe que no puede seguir así “.

“Todos tenemos un sentido intrínseco de la justicia”, dijo, “a pesar de que no vivimos de esa manera. Y usted no quiere violar que demasiado a menudo sin que se erosiona. Cuando usted no responde a la condición del mundo, que se paga por ello “.

 

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Realidad aumentada

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Cualquier hecho desagradable o circunstancia histórica molesta pueden ser corregidos por el nuevo Photoshop de las fantasías ideológicas

La interpretación de lo real está sometida a continuas incertidumbres y malentendidos. El sonido de los disparos y el de los fuegos artificiales se parecen mucho. La noche del 14 de julio en Niza la gente que volvía a casa por el Paseo marítimo pensó al principio que habían empezado de nuevo a explotar cohetes. Horas más tarde un superviviente contaba que se había sentido como si viviera en una película de zombies. Para aceptar una realidad tan atroz que soprepasaba la comprensión humana le hacía falta recurrir al ejemplo de una película de terror futurista. En las imágenes documentales de la televisión y en las tomadas trémulamente por teléfonos móviles la gente inerme huye sin destino como empujada por el mismo terror que se ve en el cine de desastres apocalípticos, robots extraterrestres que aniquilan las ciudades o calamidades climáticas o impactos de asteroides. Vimos una noche a deshoras a la gente que huía por el paseo marítimo de Niza y a la noche siguiente vimos en el mismo canal y a la misma hora a la multitud que se acumulaba en las plazas o que salía corriendo bajo puentes de autopista en Estambul. Ahora no es seguro si el golpe militar en Turquía sucedió de verdad o si fue una escenificación que abarcaba el país entero y en la que los personajes reales interpretaban papeles voluntarios o asignados y la gente común cumplía su tarea decorativa de extras, de posible carne de cañón.

1468942384_920362_1468943572_sumario_normal_recorte1Los carros de combate daban la impresión de ser más lentos y menos mortíferos que el camión de alquiler del terrorista de Niza. Las noches de verano en ciudades junto al mar son ideales para cometer atentados. Las plazas y los paseos están llenos de un gentío indolente. Los infieles salen a divertirse con su conocida frivolidad, toman helados en las sillas metálicas de las terrazas, beben alcohol y conversan hasta muy tarde. Sus mujeres llevan los hombros desnudos y cruzan las piernas con sandalias y uñas pintadas en las terrazas de los cafés. De un momento a otro el modesto edén de las noches de verano se puede convertir en infierno. Los mártires disparan desde sus coches o los lanzan contra la multitud como los jinetes del apocalipsis lanzan al galope sus caballos en los grandes cuadros de mortandad medieval de Brueghel el Viejo. Los mártires ya no necesitan entrenarse durante años en campamentos guerrilleros en medio del desierto, bebiendo agua con sabor a gasolina y aprendiendo a manejar cinturones de explosivos y viejos fusiles automáticos robados hace treinta años al ejército soviético en Afganistán. El Paraíso del Corán está tan cerca como esos paraísos a todo color que se anuncian por esta época en los escaparates de las agencias de viajes. El futuro mártir alquila un camión refrigerado tan cómodamente como si contratara un pack turístico y no tiene más que conducirlo a una cierta velocidad por el paseo marítimo. Antes de arrancar se encomienda a Dios y se hace un selfie.

1468942384_920362_1468943759_sumario_normal_recorte1Otra noche se ve en las noticias otra multitud que corre, en direcciones dispares, también bajo una claridad de farolas veladas por la humedad caliente del verano. No estamos en París ni en Niza ni en Estambul sino en Central Park, en el calor de jungla del verano en Manhattan. Como el terrorista de Niza, como la gente que aguardaba en las plazas de Estambul, como cualquiera de nosotros en cualquier momento, cada una de estas personas que corren como perseguidas o aturdidas de un lado a otro bajo las farolas de Central Park mira la pantalla de un teléfono móvil. Es la luz de las pantallas lo que ilumina individualmente cada una de las caras. No huyen de ningún terrorista. No llaman por teléfono para informar de que están fuera de peligro o para buscar información sobre una realidad de repente desquiciada que no pueden entender. Lo que los arrastra de un lado a otro a esa hora por un parque que se va volviendo un bosque a medida que cae la noche no es la realidad real, por llamarla de algún modo, sino lo que ahora llaman la realidad aumentada, que es uno de esos términos fraudulentos cada vez más habituales que pasan de golpe de lo inaudito a lo cotidiano. Realidad aumentada es mirar en el teléfono el mismo lugar que verías si levantaras un momento los ojos pero verlo mejorado, animado, enhanced, por usar un eufemismo muy querido por los torturadores, mejor todavía con sus iniciales, EIT, Enhanced Interrogation Technique. Los lugares que cada uno ve a simple vista en su vida diaria tienden a ser penosamente rutinarios, una realidad disminuida por comparación con los universos vibrantes de los anuncios, los efectos especiales y los videojuegos. Gracias a la realidad aumentada, el bosque de Central Park, habitado en la medianoche de criaturas nocturnas, se vuelve tan masivamente divertido como un parque de atracciones. Según censos recientes, en Central Park hay más de trescientas especies de animales: 46 de aves, 7 de mamíferos, 102 de invertebrados, 78 de mariposas, 10 de arañas, 3 de tortugas, 2 de ranas. De noche se ven ojos y hocicos, se escuchan cantos y rumores en la oscuridad. Todos esos animales saldrían huyendo ante la invasión repentina de la multitud humana con sus teléfonos como linternas fantasmales. La realidad aumentada es buscar por el parque a un muñequito de Pokémon.

Quizás por contagio de esta nueva realidad los titulares del periódico parecen anuncios de películas o de quimeras publicitarias y los eslóganes de la publicidad del cine cobran una elocuencia de titulares amenazantes: “Personajes de Star Wars hacen su aparición en el aeropuerto de Bruselas”, dice uno de ellos. Pero ese es el mismo aeropuerto en el que unos meses atrás hicieron su aparición personajes de una guerra santa. El anuncio de la nueva Independence Day suena como un aviso muy pertinente en estos tiempos de alarmas: “Siempre supimos que volverían”. Millares de policías con armamento de guerra patrullan por Niza o París o Baton Rouge o Cleveland. “Millones de jugadores de todo el mundo salen a cazar monstruos por las calles”. Casi en cada parada de autobús hay un cartel de una película jovial de animación que se parece mucho a los titulares sobre el cambio climático: El gran cataclismo (ahora en 3D). No hay que preocuparse. Especies extinguidas y bosques talados podrán ser sustituidos ventajosamente por monigotes y escenarios de realidad aumentada. Cualquier hecho desagradable o circunstancia histórica molesta pueden ser corregidos por el nuevo Photoshop de las fantasías ideológicas. La antigua realidad no aumentada solo parece que la reivindican o la ven ya algunos visionarios misántropos, o esos viejos deslumbrantes que dicen sin miramiento lo que piensan. En una entrevista memorable de Anatxu Zabalbaescoa con el diseñador Milton Glaser, que tiene 87 años, las fotos de Michael Somoroff retratan una cara gastada y ennoblecida por el tiempo y una mirada en la que hay una agudeza irónica como de personaje de Tiziano o de Rembrandt. “Nos cegamos con los prejuicios que permean todo lo que observamos”, dice Glaser. “Una de las cosas más difíciles de la vida es ver las cosas cuando las tienes delante”.

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Marinas digitales para el siglo XXI

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El agua ha sido presente a lo largo de toda la historia del arte fluyendo en las prácticas pictóricas con un protagonismo comparable con el mismo retrato y en la actualidad su poder iconográfico no podía pasar desapercibido a los artistas de la escena digital.

Desde un punto de vista plástico esta investigación ha tenido su apogeo con la representación del paisaje de William Turner, quien con sus mares en tormenta y los juegos generados por los reflejos de luz, casi se adelantó al impresionismo y a los artistas de la época de Manet. Como nos recuerdan las obras de Monet, Sorolla y Dalí entre innumerables otros, muchos artistas se han enfrentado con la representación del mar. Pero ¿Cómo se puede animar electrónicamente el agua? y ¿Cómo se puede animar el reflejo de la luz en el agua?

Intenta responder a las preguntas el brasileño-holandés, afincado en Nueva York, Rafaël Rozendaal, un artista de la escena digital que a través de la programación ha dado vida a unas páginas web que con toda razón se pueden definir lienzos digitales. Aunque su trabajo aborda temáticas más amplias y no se centra exclusivamente en la representación del agua, en su amplia producción para la red, que reúne ya más de cien obras de net.art, este elemento destaca en diversos proyectos.

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Rafaël Rozendaal

Si nos permiten el juego de palabras, os invitamos a navegar entre algunos ejemplos como nothing ever happens .com (2013), una sencilla superficie donde la programación va definiendo el movimiento -sólo aparentemente aleatorio- de unas líneas que separan áreas donde se alternan los colores blanco y negro. Pese a que como admite el título de la obra nunca pasa nada, resulta evidente que Rozendaal ha conseguido animar electrónicamente el agua o por lo menos jugar con los colores para inducir en el espectador la sensación de estar observando los reflejos de la luz y el movimiento de una superficie líquida.

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A Rafaël Rozendaal la fascinación por el agua y su representación en la historia del arte, le viene de lejos, como demuestran obras que ahondan en esta investigación. En goodbye farewell .com (2011) observamos los reflejos de la luz de la luna en un mar que parece mecerse aparentemente indiferente.

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Goodbye farewell .com de Rafaël Rozendaal

Sin embargo con una cierta atención descubriremos que la superficie marina reacciona imperceptiblemente con la interacción del ratón. Algo parecido pasa en mechanical water .com (2012), una obra que despliega una abstracta superficie de agua en continuo movimiento, casi una entidad marciana o como el título sugiere, simplemente agua mecánica, animada por un continuo estremecimiento, casi un pulso eléctrico que consigue dar vida a un lienzo abstracto que reacciona a los movimientos del ratón.

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mechanicalwater.com de Rafaël Rozendaal

Irreverente y enigmático, Rafaël Rozendaal quien lleva tatuada la palabra “internet” en el interior de los labios, es quizás el artista de la escena del net.art que ha conseguido sacar mejor provecho de su práctica artística. Nunca ha sido fácil encontrar coleccionistas interesados en obras creadas exclusivamente para la red, sin embargo Rozendaal ha producido más de cien piezas para la red y ha conseguido vender muchas de ellas. Por lo menos así lo pregonan los nombres de los coleccionistas, que aparecen juntos al título de muchas obras en la pestaña del navegador. A pesar de su naturaleza virtual, podemos afirmar que las creaciones de Rozendaal siguen siendo objetos, de hecho el artista mismo define Internet “su lienzo”. No insistiremos ahora en el eterno debate sobre cómo se puede considerar “objeto” un elemento intangible que se materializa a través de la programación informática, pero queremos subrayar el parecido entre estas obras para la web y las pinturas tradicionales. Aunque en ocasiones reaccionan a la presencia del espectador, básicamente las creaciones de Rozendaal son páginas web, que reproducen al infinito una simple animación.

Según se lee en la pestaña del navegador looking at something .com (2013), donde el artista nos invita a interactuar con la lluvia en un juego infinito entre un día soleado y una tormenta, ha sido adquirida por la colección de Motoi Sadakane and Copilot inc.

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looking at something.com de Rafaël Rozendaal

Eludiendo la componente conceptual que caracterizó los primeros años de la escena del net.art, las obras de Rozendaal bien se adaptan a los dogmas del mercado del arte. Se trata de páginas web dotadas de su dirección individual que coincide con el título de la obra, lo cual las hace más fácilmente vendibles. Lo demuestra el hecho que Rozendaal haya conseguido vender ya casi la mitad de su producción a coleccionistas conocidos y anónimos, atraídos por su peculiar y perfectamente legal contrato para la venta de obras de net.art.

Volviendo al tema del agua, os proponemos el irritante to the water .com (2010), una animación que juega con la eterna metáfora del vaso medio lleno de agua, que parece querer escaparse de las manos del espectador como un enigmático moscardón.

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to the water .com de Rafaël Rozendaal

En cambio why was he sad .com (2002), que ha pasado a formar parte de la colección del artista Miltos Manetas, se parece más a un haiku visual o un jardín zen, donde un hipnótico cielo surcado por nubes al compas del jingle inicial de Farewell to Cheyenne del compositor italiano Ennio Morricone, ofrece al público la posibilidad de explotar las nubes con el ratón o simplemente no hacer nada.

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why was he sad .com de Rafaël Rozendaal

Terminamos con i am very very sorry .com (2002), una propuesta minimalista, casi un epitafio flotando en algo que podría parecer un alcantarillado, donde sólo se puede presenciar al lacónico y aleatorio gotear del agua en un charco como un recordatorio del inexorable paso del tiempo.

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i am very very sorry .com de Rafaël Rozendaal

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Mariposas digitales sobre Londres

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Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana

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“Chuang Tzu soñó que era una mariposa. Al despertar ignoraba si era Chuang Tzu que había soñado que era una mariposa, o si era una mariposa que soñaba ser Chuang Tzu.”

Estos versos, sacados de la inolvidable Antología de la Literatura Fantástica, publicada en 1940 por Bioy Casares, Silvina Ocampo y Jorge Luis Borges, es lo primero que se nos ocurre delante de Wishing Wall, la nueva instalación interactiva que Mar Canet y Varvara Guljajeva acaban de estrenar en la Barbican Gallery de Londres. Wishing Wall, que se presenta en el marco de la monumental exposición Digital Revolution, es una obra zen e intimista, un generador de emociones que el público puede expresar libremente, compartiendo un deseo delante de un micrófono y viendo como su plegaria se convierte en una mariposa digital que acaba librándose en una gran pantalla.

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‘Serendipia’, el arte de descubrir

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Uno de los peligros de las redes sociales es que nos llevan a pensar como los demás, a eso que los estadounidenses denominan group think, pensamiento de grupo. Cada vez más datos nos llegan por su intermediario. La red nos ofrece diversidad de pistas, pero tendemos a seguirlas con aquellos que piensan como nosotros.

Damon Darling lamenta que las tecnologías reduzcan los errores casuales, lo que se conoce como “serendipia” en The New York Times. El término significa “un descubrimiento científico afortunado e inesperado que se ha realizado accidentalmente”, según Wikipedia. O el arte de “descubrir cosas sin proponérselo”, según el diccionario Oxford.

“Encontrar lo que estamos buscando es rápido. Lo mejor de todo es que buena parte es gratis. Pero perdemos otra cosa: el descubrimiento feliz de algo que no sabíamos que queríamos encontrar. En otras palabra, la edad digital está eliminando la serendipia“, reflexiona Darling.

Por ejemplo, prosigue Darling, cuando visitamos amigos ya no podemos hurgar en su colección de CD porque la tiene almacenada en el iPhone. Los vídeos se alquilan y desaparecen rápido [poco a poco las bibliotecas estarán en los Kindles o asimilados].

Contrariamente a lo que dicen sus partidarios, redes sociales como Twitter o Facebook no son, para Darling, fuentes de diversidad: “Son útiles, pero esto no es serendipia. Es pensamiento de grupo. Todo lo que necesitamos conocer llega filtrado e investigado. Descubrimos lo que los demás aprenden y generalmente de gente que comparte nuestros gustos”.

Quienes navegamos con un mínimo de curiosidad, la Web es una fuente de serendipia, de descubrimientos fortuitos y felices. Pero reconozco que las redes sociales y los sistemas de referencias y de votación que los acompañan llevan si no al pensamiento único al menos a uno de geometría poco variable.

Algunas herramientas tratan de dar respuesta a preguntas que no formulamos. Por ejemplo, StumbleUpon.com. Sus algoritmos sofisticados permiten ampliar nuestro horizonte con los universos donde navegan nuestros amigos. Una visión más crítica indicaría que por lo menos nos permite aventurarnos hasta la periferia de los grupos con los que conectamos.

Por ello promuevo la embedded serendipity, es decir la serendipiaintegrada en el proceso de recogida de información, de dos maneras diferentes. De un lado, integrando los RSS que me interesan marginalmente con los RSS que consulto con regularidad. La posibilidad de que se den casualidades (que espero felices) aumenta. Del otro, tratando de practicar con regularidad el rebote virtual: cuando hago clic en un enlace que me conduce a una página sorprendente, me esfuerzo en repetir la operación al menos dos veces haciendo a su vez clic en los enlaces que me encuentro en cada etapa. A fin de cuentas, a menudo estoy en territorio desconocido (y nada impide seguir pegando saltos…).

Steven Johnson hizo una interesante referencia acerca de la poderosa serenpidia subyacente en el diccionario, porque al seguirse por el orden alfabético, las palabras no tienen ninguna relación de sentido entre ellas. La serenpidia, reconoce Johnson, desaparece en la Web, pero existe otra forma más potente aún, la serendipia por asociación “mil veces más fácil de seguir” en Wikipedia que en la Enciclopedia Británica. La gran diferencia es que la del diccionario es involuntaria cuando la de Wikipedia es voluntaria. El secreto de la serendipia en Internet es el enlace. Requiere que lo activemos.

Artes marciales como el Aikido enseñan a no estar nunca en el lugar donde el contrincante te espera. La serendipia empieza cuando buscamos donde nunca se nos ocurriría. En un mundo de abundancia de la información y de redes sociales, la puerta de la serendipia se abre con la siguiente pregunta, el siguiente clic. De nosotros depende encontrarla.

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